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ESPECIAL // La mejor canción de cada álbum de King Crimson

Progresivo sinfónico, new wave, rock industrial: estas 13 pistas muestran la evolución completa de la banda comandada por Robert Fripp.

King Crimson Discos Canciones

Robert Fripp se retiró del negocio de la música en 2012, calificando a toda la empresa como «un ejercicio inútil». Luego, apenas un año después, regresó con su movimiento más poco ortodoxo hasta la fecha: una alineación de King Crimson remodelada de siete integrantes con una primera línea de tres bateristas. Todo lo anterior es para decir que nunca ha sido capaz de predecir el espíritu invisible de la banda, pero sabe cuándo aparece. «Tengo que ser capaz de reconocer cuando King Crimson está en la habitación», observó más tarde.

Puede que no haya un ADN musical compartido entre, digamos, el oscuro barrido sinfónico de «21st Century Schizoid Man» de 1969 y el pop-rock new wave de «Heartbeat» de 1982. Pero de alguna manera, en sus respectivos contextos, ambos se sienten perfectamente Crimson-y.

Examinamos todo el catálogo de la banda, documentando la mejor canción de cada uno de los 13 LPs de King Crimson.

«In the Court of the Crimson King» ( de «In the Court of the Crimson King», 1969)

«En el 68, éramos una especie de banda local en Londres de la que se hablaba muy bien», dijo el ex cantante de Yes, Jon Anderson, a In the Studio. «Y luego fuimos al bar clandestino una noche, y escuchamos que tocaba una banda llamada King Crimson. Dijimos, ‘Está bien, echémosle un vistazo, veamos qué tan buenos son’. Fueron geniales, en serio fueron geniales … Tuvimos una gran nube sobre nosotros durante aproximadamente una semana, tratando de superar el hecho de que eran mejores que nosotros». Una pieza central de ese primer set en vivo – y más tarde, el LP de debut de la banda – fue «In the Court of the Crimson King», una epopeya de melotrones que llegó a definir el estilo sinfónico-progresivo temprano. La voz robusta de Greg Lake, las frases pictóricas de guitarra de Fripp, la flauta lírica de Ian McDonald, las imágenes abstractas de la poesía de Peter Sinfield, el jazz frenético de la batería de Michael Giles: esa combinación fue radical a finales de los sesenta y hoy no suena menos estremecedor.

«Pictures of a City» ( de «In the Wake of Poseidon», 1970)

Así como «In the Wake of Poseidon» refleja la majestuosidad del melotrón de «Crimson King», esta canción pavoneándose y gruñendo recuerda «21st Century Schizoid Man», aunque es un poco menos aterradora. Los saxofones de jazz de Mel Collins y el ataque cromático de Fripp atraen la mayor atención, pero también vale la pena resaltar las letras de ensueño de Sinfield, que se sienten como observaciones alucinadas de una metrópolis sórdida: «Los dientes engrasados ocultan el pecado de hojalata», canta Lake. «Especie la oportunidad de bailar sobre hielo con una sonrisa enfermiza».

«Cirkus» (de «Lizard», 1970)

Mientras remasterizaba el divisivo «Lizard» en 1999, Fripp hizo la siguiente observación en su diario web de DGM: «El álbum es inaudible. Nuestra remasterización muestra lo inaudible que es. a menos que quieran llevarlo a fiestas y jugar con invitados no deseados. Hay algunos amantes de los lagartos, lo sé. Deben ser muy extraños «. Pero como Fripp de todas las personas debería saber, lo extraño a veces puede ser brillante. «Cirkus», la salva de apertura del álbum, suena como una versión más amenazadora y desorientadora del «clásico» Crimson temprano: el melotrón, los instrumentos de viento de madera, la voz dramáticamente cantada (por el brevemente titular Gordon Haskell), todo con un toque extra de locura .

«Islands» (de «Islands», 1971)

Fripp ha hecho referencia con humor a la descripción del cuarto LP de King Crimson del famoso crítico de rock Lester Bangs: «Sonaba como música para el anuncio de un desodorante vaginal». A Bangs, amante del punk, tampoco le gustó el gentil título épico de este disco, que se extiende a 12 minutos con ondas ondulantes de la flauta de bajo de Collins y la corneta de Marc Charig. Pero sigue siendo una pista crucial del período inicial de la banda, lo que demuestra que Fripp podía componer con confianza fuera de los confines del rock enormemente amplificado. La canción ahora es aún más poderosa en vivo, liderada por el suave vibrato del líder actual Jakko Jakszyk.

«Exiles» (de «Larks’ Tongues in Aspic», 1973)

David Cross a menudo se pierde en la confusión de King Crimson, habiendo aparecido solo en dos LP completos. Pero su violín de buen gusto añadió una nueva dimensión a la música de la banda en Larks ‘Tongues en Aspic. Esa interpretación es fundamental en «Exiles», apoyando gentilmente una voz cordial de John Wetton que aterriza cerca de la parte superior del registro del bajista. Fripp asume principalmente un papel secundario en esta, su balada definitiva, agregando florituras de acústica y un solo culminante lleno de sustain pesado.

«The Night Watch» (de «Starless and Bible Black», 1974)

«The Night Watch» tipifica la presentación fracturada de «Starless y Bible Black», con King Crimson mezclando grabaciones de estudio y escenario para crear una ilusión sonora. La reluciente introducción, con los platillos decorativos de Bill Bruford y el lloroso violín de Cross, fue sacada de un show de noviembre de 1973 en Amsterdam; el resto, abriendo con los resonantes armónicos de guitarra de Fripp, fue abordado en el estudio AIR de Londres, permitiendo un poco más de profundidad y color al ritmo garra de Bruford y las armonías vocales de John Wetton. «Pensé que era muy, muy bueno pasar de una grabación en vivo a una grabación de estudio, lo cual era típico de Crimson en esos días», dijo Wetton a Classic Rock Revisited. «En lugar de la mayoría de las bandas que agregarían aplausos a las pistas de estudio para hacerlas sonar en vivo, estábamos restando el aplauso de las pistas en vivo para hacerlas sonar como si se hicieran en el estudio».

One More Red Nightmare (de «Red», 1974)

Esta presenta uno de los riffs más amenazantes en la historia de la música, tan pesado como cualquier cosa que Black Sabbath haya preparado, pero Bruford es el MVP obvio de la pista, jugando con una furia especialmente funky durante el ritmo del verso. La pieza central de su equipo, al menos en esta pista, es el platillo agrietado que descubrió tirado en el bote de basura de una sala de ensayo. «[Su] maltrato le había legado este fabuloso sonido trashy con un decaimiento muy corto y rápido», escribió Bruford en su sitio web, dedicando una entrada completa de preguntas frecuentes a esta pieza de su equipo. «Se veía muy triste; me compadecí de él y nos enamoramos. Lo usé durante aproximadamente un año antes de que se dividiera, y el final llegó rápidamente después de eso».

«Elephant Talk» (de «Discipline», 1981)

«Estas son palabras con una» D «esta vez», canta Adrian Belew en este ejercicio de prog-funk, recitando alfabéticamente sinónimos para el habla humana. El frontman, un antiguo empleado que se robaba la película trabajando con Frank Zappa, David Bowie y Talking Heads, aportó una extravagancia caótica y un soul profundo a King Crimson, renovado por Robert Fripp para la era del New Wave. Es casi imposible elegir una canción de «Discipline», pero «Elephant Talk» reina: una presentación de banda completa basada en el discordante ritmo de Chapman Stick de Tony Levin, los ritmos sutilmente trance-y de Bill Bruford y las guitarras duales de Fripp y Belew, que evocan zumbidos. mosquitos y elefantes rugientes, respectivamente. «Tratando de ser escritor, siempre llevaba conmigo un diccionario Merriam-Webster de bolsillo», recordó Belew a Music Aficionado. «De vuelta en el Horton Inn esa noche, revisé el diccionario y comencé a marcar palabras con un rotulador amarillo. Marqué palabras que tenían que ver con el habla o la conversación. Comencé con palabras que comenzaban con ‘A’. Argumentos, acuerdos, respuestas, consejos. Para cuando terminé las ‘E’, sentí que tenía suficiente de algo con lo que trabajar «.

«Sartori in Tangier» (de «Beat», 1982)

Algunas canciones de King Crimson son imposibles de clasificar, y «Sartori in Tangier» se encuentra entre ellas. El instrumental frenético, construido sobre los graves golpes de Levin y los efectos de guitarra tipo violín de Fripp, parece que debería sonar en algún club nocturno marciano aterrador. «La música era muy amigable con el escenario; tenía su propio drama musical interno que funcionó bien en ese ambiente y fue un ritmo completo para tocar en vivo», dijo Bill Bruford al sitio de DGM. «Todas las noches podía esperar el solo de Robert al final de ‘Sartori en [Tánger]'».

«Sleepless» (de «Three of a Perfect Pair», 1984)

Hay tres versiones distintas de esta melodía atmosférica: la torpe mezcla de «Dance», la mezcla de sencillos más orientada a los cuatro en la pista (de las primeras ediciones) y la versión definitiva y rítmicamente compleja que aparece en las reediciones modernas. La estruendosa línea de bajo de Levin es la pieza central obvia, sin importar a dónde mires, pero los retumbantes toms de Bill Bruford en esta última mezcla añaden otra capa de misterio a una de las canciones pop más puras de King Crimson. «Lo que sucedió fue que Bob Clearmountain hizo el remix del single y luego alguien en Warner Bros. decidió que la versión LP debería coincidir con la versión single», dijo Adrian Belew a Artist Magazine. «Entonces, ¿cómo es eso, amigos? ¡Incluso el compositor ya no tiene nada que decir!»

«Sex Sleep Eat Drink Dream» (de «THRAK», 1995)

Fripp una vez más despejó la lista creativa a mediados de los 90, reuniendo a King Crimson en un formato de «doble trío» sobrecargado: él y Adrian Belew en guitarras; Levin y Trey Gunn (un alumno de los cursos de Guitar Craft de Fripp) manejando graves a través del bajo, Chapman Stick y la guitarra Warr; y Bruford haciendo equipo con Pat Mastelotto en la batería. El único LP del sexteto, «THRAK», es un universo en sí mismo: toma prestado un sonido metálico del rock alternativo e industrial moderno, lo que permite a Belew saludar a sus héroes del rock de los sesenta. «Sex Sleep Eat Drink Dream» combina a Hendrix-y wah-wah con una producción de Tool-ish, alcanzando un pico alrededor de 1:40 con una explosión total donde los tríos tocan en dos firmas de tiempo diferentes. «Es uno de los mejores ejemplos de la definición de nuestro doble trío», comentó una vez Belew. «Con una línea de bajo increíble de Tony y solos apasionantes de Robert, es Crimson por excelencia. Las letras son un reflejo de la locura de la música».

«Into the Frying Pan» (de «The ConstruKction of Light», 2000)

El duodécimo LP de King Crimson nunca despega, empantanado por decisiones creativas dignas de vergüenza (el graznido vocal de Adrian Belew en «ProzaKc Blues»), un sonido de batería tenue, demasiado reciclaje de ideas («FraKctured», otra entrega más de la serie «Larks ‘Tongues in Aspic») y muy poca melodía. «Into the Frying Pan» es una excepción a todas esas reglas: con las armonías vocales deformadas y procesadas de Belew y los ritmos tartamudos de Pat Mastelotto, la pista muestra la dirección que dominarían en «The Power to Believe» de 2003.

«Eyes Wide Open» (de «The Power to Believe», 2003)

Ningún fan de King Crimson tendría la culpa de seleccionar el monstruoso instrumental «Level Five», la quinta entrega no oficial pero oficial de la serie «Larks Tongues». Pero «Eyes Wide Open» es la pieza más dinámica del LP más reciente (y con suerte no definitivo) de la banda. Adrian Belew está principalmente en modo de balada, canturreando suavemente sobre electrónica cómoda y un timbre de guitarra dual con Fripp. «Hay una necesidad del lado más suave, el lado melódico», dijo Belew a Vintage Rock. “’Eyes Wide Open’ es divertido para mí. Un día, Robert y yo estábamos sentados en silencio en mi estudio tratando de inventar algunas ideas más y comenzamos a tocar de la misma manera que solíamos tocar en la banda del 81, ese tipo de cosas de guitarra entrelazadas que componen canciones como ‘Discipline ‘o’ Neal and Jack and me’. No habíamos tocado de esa manera juntos durante mucho tiempo, 20 años, supongo. Y nos miramos el uno al otro y dijimos: ‘¿Sabes qué? Nosotros inventamos esto; es nuestro para usarlo si queremos'».

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