David Lynch fue, durante décadas, uno de los autores más influyentes y desconcertantes del cine contemporáneo. Su obra —entre pesadillas industriales, melodramas retorcidos y atmósferas que rozan lo hipnótico— no solo redefinió los límites de lo narrativo, sino que convirtió lo inquietante en un lenguaje propio. Hablar de Lynch es hablar de un creador que hizo del misterio un método y de lo inexplicable, una forma de belleza.
Y en Futuro, resumimos todos sus trabajos y los ordenamos de menor a mayor. Desde sus películas más celebradas hasta sus proyectos más experimentales, repasamos una filmografía y un universo creativo que atraviesa el cine, la televisión y el arte, siempre con la misma marca. Una personalidad irrepetible que no pide permiso para incomodar, fascinar o dejar preguntas abiertas.
El resultado es un recorrido tanto para fans de toda la vida como para quienes recién se asoman a su mundo. Porque Lynch no se “entiende” del todo. Se vive, se escucha, se intuye. Y en esa experiencia, cada obra ocupa un lugar distinto. Entre lo esencial y lo ineludible. Bienvenidos a este ranking definitivo. David Lynch, en orden de grandeza, según Futuro.
12.- Dune (1984)
La única película del catálogo de Lynch que el propio director ha desautorizado. «Dune» enfrentó problemas de producción desde el principio de su desarrollo. Es que adaptar la legendaria y densa novela de ciencia ficción de Frank Herbert en un solo largometraje resultó difícil incluso para una leyenda como él. La reducción de una hora en la duración de la película no ayudó. Y lo que quedó es tan incoherente que los cines, como se sabe, repartían resúmenes impresos de la trama con cada entrada. La película echó por tierra el sueño que Hollywood tenía a principios de los 80 de David Lynch como el próximo gran cineasta de éxitos de taquilla. Algo que probablemente no le importó.
Aun así, «Dune» de Lynch no fue un fracaso: fue en el set de rodaje en México donde conoció a Kyle MacLachlan (maravilloso como el melancólico Paul Atreides), iniciando así una de las colaboraciones creativas más fructíferas de su carrera. Y a pesar de su reputación, la interpretación psicodélica y alucinatoria que Lynch hace de la saga espacial de Herbert (el propio autor disfrutó bastante de la película) resulta muy placentera, desde el elaborado vestuario hasta las interpretaciones delicadas y la banda sonora de Toto. Es una película extraña y con defectos que, sin embargo, siempre se siente viva y tangible de una manera que las adaptaciones más recientes de Denis Villeneuve a menudo no logran.
11.- The Elephant Man (1980)
Desde el momento inicial, cuando Lynch presenta vagamente al personaje principal en un montaje que también incluye elefantes, uno sabe que esta no será una película biográfica convencional. Ese comienzo implica que unos elefantes desbocados abatieron a su madre embarazada y le causaron su condición. Lo que quizá no se espere es lo asombrosamente conmovedora que será la película que viene.
Este relato ligeramente surrealista de la vida de Joseph Merrick (rebautizado como John Merrick e interpretado por John Hurt). Este sufrió una grave discapacidad que afectó el crecimiento de su esqueleto. Muestra el extraordinario maltrato que sufrió en el Londres del siglo XIX, así como la amabilidad, el cuidado y la empatía que le demostró su médico, Frederick Treves (Anthony Hopkins). Al igual que la actriz Madge Kendal (Anne Bancroft), en el conmovedor momento en que lee una escena de «Romeo y Julieta» con Merrick y lo besa. (Por si sirve de algo, su coprotagonista John Gielgud conocía al verdadero Kendal, quien había fallecido casi 50 años antes). Donde hay una oscuridad poderosa en la obra de Lynch, también hay una luz poderosa. Y, como en algunas de sus películas posteriores, incluso los fotogramas finales tienen una cualidad trascendental.
10.- The Straight Story (1999)
El propio Lynch bromeó diciendo que «The Stright Story» era su película más experimental precisamente por su aire cotidiano. Entre las visiones alucinatorias de «Lost Highway» y «Mulholland Drive», Lynch se inspiró para crear un drama de personajes directo, apto para todo público y basado en hechos reales, distribuido por Disney. En teoría, es fácil que los fans de Lynch lo descarten, pero «Una historia recta» es tan profundamente conmovedora y poderosa que te deja atónito.
La historia de Alvin Straight (Richard Farnsworth, en una interpretación brusca y sutil, nominada al Oscar), en su viaje por Estados Unidos para reconciliarse con su hermano distanciado, combina temas de envejecimiento, pérdida, arrepentimiento y reconciliación en una película de viaje por carretera devastadora e inolvidable. Aunque las excentricidades de Lynch lo hicieron famoso, la empatía subyacente en sus obras es lo que las hace perdurables. «Una historia recta» deja al descubierto la generosidad del director como narrador.
09.- Wild at Heart (1990)
La obsesión de David Lynch con «El Mago de Oz» se hizo patente en cada proyecto que emprendió. Pero nunca se involucró más directamente con la película de Victor Fleming que en «Corazón Salvaje». Una que a menudo da la impresión de ser el intento de Lynch de crear su propia versión del viaje de Dorothy a casa. Este romance de humor negro está protagonizado por Nicholas Cage como Sailor, un chico malo con una profunda creencia en la libertad personal, simbolizada por su preciada chaqueta de piel de serpiente. Laura Dern es Lula Fortune, su novia, amante del rock and roll, que espera a que lo liberen de la cárcel y luego da su vida por él.
Como tantas obras maestras de Lynch, «Corazón Salvaje» yuxtapone imágenes sanas de los años 50 —se alude a Elvis casi con la misma frecuencia que a Dorothy— con introspecciones lynchianas en los rincones más oscuros de la humanidad. Asesinato, pobreza y violencia sexual jalonan el tumultuoso camino de Sailor y Luna hacia la felicidad doméstica,. Pero Lynch termina la película con una de las notas más esperanzadoras de su carrera. Con la aparición de la propia Glinda para implorar a los amantes, que se reconcilian, que no renuncien a lo que sus corazones saben que es verdad. Resulta irónico que Lynch ganara la Palma de Oro por una película que pocos situarían entre las más altas de sus obras maestras. Pero es una mirada esencial a las influencias de un maestro que se mantiene vigente gracias al carisma de sus dos protagonistas y a la mirada atemporal de Lynch.
08.- Lost Highway (1997)
Los faros de un coche se deslizan por una carretera polvorienta. A Robert Blake, de ojos saltones y cenicientos, le gusta observar. El mafioso Robert Loggia va por ahí ofreciendo películas porno en VHS. A un tipo le han clavado una mesa de cristal en el cráneo como si fuera una cuña. Hay imágenes en «Lost Highway» tan indelebles como cualquier otra en la obra de Lynch, y los negros profundos y crepusculares de la cinematografía de Peter Deming son como una mancha de aceite en la que uno quiere bañarse.
Esta historia, que recuerda a una cinta de Möbius (¿termina al principio y vuelve a empezar?), sobre un saxofonista de jazz que vive en una mansión similar al apartamento de Isabella Rossellini en «Blue Velvet» y se obsesiona con la posibilidad de que su esposa le sea infiel, está llena de momentos duros y lógica onírica. Y luego, cameos casi cómicos de Gary Busey y Richard Pryor. Este es uno de los intentos más escurridizos de Lynch, mejor resumido por la fatal declaración de Patricia Arquette: «Y nunca me tendrás». Bueno, tampoco llegaremos a comprender del todo «Lost Highway», pero ¿lo haríamos de otra manera?
https://www.youtube.com/watch?v=IiMUl8ruWdk
07.- Inland Empire (2006)
Resulta cruel pensar que el último largometraje de Lynch es, definitivamente, «Inland Empire». Se estrenó en 2006 cuando el director tenía tan solo 60 años. Aun así, ¡menudo último largometraje! Tras su obra maestra «Mulholland Drive», Lynch creó una pesadilla hollywoodense aún más experimental y surrealista que las anteriores, lo que le dio a Laura Dern la plataforma para ofrecer posiblemente su mejor interpretación como una actriz que se desmorona al adoptar la personalidad de su personaje en su última película.
Desarrollada sin guion, escena por escena, y filmada en video digital de baja resolución que le da a los eventos un brillo sobrenatural, «Inland Empire» es posiblemente la película más desafiante de Lynch en una carrera llena de ellas, un viaje mental a la difusa línea entre la interpretación y la realidad, tan difícil de superar como un terror nocturno. Aun así, incluso en sus momentos más extraños, el humor subestimado y la belleza pura del trabajo de Lynch son evidentes: solo él podría filmar ese baile de «Locomotion». En un momento en que Los Ángeles está en llamas, “Inland Empire” resulta aún más conmovedora, una mirada a la oscuridad y la luz que luchan dentro de la Ciudad de los Ángeles.
06.- Twin Peaks (1990-1991)
Desde sus novelas de misterio serializadas hasta el uso de técnicas cinematográficas en formato episódico. «Twin Peaks» influyó tanto en la televisión que su historia casi podría dividirse en un antes y un después de su estreno en ABC. Pero más allá de su impacto, la serie original sigue siendo una obra televisiva excepcional Con una identidad tan singular que resulta imposible de reproducir. Humor extraño. Drama de telenovela. Paisajes del noroeste del Pacífico. Y el surrealismo característico de David Lynch, como si el equipo hubiera “atrapado un rayo en una botella”.
La serie también camina una línea finísima entre la parodia de los clichés melodramáticos y su participación sincera en ellos, sumergiendo al espectador —junto a Lynch y Mark Frost— en un mundo apenas distinto del nuestro, pero lo suficiente como para inquietar. Esa mezcla de fascinación por la América de pueblos pequeños y la exploración de sus sombras vuelve aún más dolorosa la revelación del asesino de Laura Palmer en la segunda temporada. Con una imaginería inolvidable reforzada por la música de Angelo Badalamenti, Twin Peaks mantiene un lenguaje visual reconocible al instante y se consagra como un artefacto cultural definitorio de los 90 y uno de los mayores logros de la televisión abierta.
05.- Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
Hay un momento en «Fire Walk with Me» que es el más aterrador de toda la filmografía de Lynch. Bueno, salvo el momento en que el monstruo salta de detrás del contenedor en «Mulholland Drive». No, no es el final de esta precuela, que finalmente muestra el asesinato de Laura Palmer (Sheryl Lee) en un vagón de carga en medio de una fuga de gritos. Es una escena que prepara su perdición, cuando su padre, Leland (Ray Wise), quien ha estado abusando sexualmente de ella, la obliga obsesivamente a lavarse las manos. Como si fuera metafóricamente impura.
En ese momento, Lynch capturó la mezcla de proyección e hipocresía que siempre encarnan los abusadores, y lo hizo con una lucidez que pocos otros cineastas han tenido. Y esto en una película que también tiene a Kiefer Sutherland y David Bowie como agentes del FBI. Liberado de las restricciones de contenido de ABC, Lynch pudo explorar con libertad la psicología de sus personajes y demostrar que «Twin Peaks» siempre fue más que un simple pastel de cerezas y café. «The Return» realmente comienza aquí.
04.- Eraserhead (1977)
Solo un padre podría haber hecho una película como «Eraserhead». Cuando el director, entonces un joven veinteañero, comenzó a idear la película en el American Film Institute, su hija Jennifer tenía unos dos años y nació con pie zambo que requirió una extensa cirugía correctiva. Antes de mudarse a Los Ángeles, vivió con ella y su primera esposa, Peggy Lentz, en el empobrecido barrio de Fairmont, en Filadelfia. En su libro «Lynch on Lynch», escribió: «Había violencia, odio y suciedad. Pero la mayor influencia en toda mi vida fue esa ciudad».
Se puede sentir ese miedo crudo y nervioso en el surrealista y pesadillesco mundo industrial de «Eraserhead». Una cruda película negra de medianoche realizada con una habilidad y una visión tan asombrosas que resulta increíble que pueda considerarse una película estudiantil. Con su electrizante cabellera, Jack Nance parece un avatar del propio director como el desventurado héroe de la película, quien navega por su paisaje apocalíptico y el horror y la violencia inherentes a él para intentar cuidar del extraño monstruo en el que nació su hijo.
El propio Lynch creó la banda sonora y el diseño de sonido para la película. Invade este paisaje con tal cacofonía de ruido que, a pesar de la lentitud, hay peligro en cada toma. «Eraserhead» a menudo se descarta por ser simplemente esotérica e incoherente, pero la película tiene un sentido emocional perfecto, una mirada distorsionada a las ansiedades que conlleva traer vida al mundo y al temor de no poder proteger a tu hijo del mundo, o proteger al mundo de tu hijo.
03.- Twin Peaks: The Return (2017)
David Lynch nunca presentó «Twin Peaks: El Regreso» como una despedida. Y en 2024 aún buscaba nuevos proyectos. Sin embargo, ahora que se entiende como su último trabajo narrativo, la miniserie se percibe como un cierre extraordinario: una obra que sintetiza las obsesiones e ideas que exploró durante toda su vida, llevándolas a territorios aún más radicales. Con 18 episodios y una libertad creativa inédita, Lynch convirtió la serie en un lienzo casi en blanco para desplegar imágenes imposibles de olvidar, creando un final que solo él podía concebir.
Lejos de complacer la nostalgia dominante en la era del streaming, Lynch eligió frustrar deliberadamente las expectativas: reunió al elenco clásico, pero se negó a “tocar los grandes éxitos”, como demuestra el largo tramo en que Kyle MacLachlan interpreta al casi mudo Dougie en lugar del Cooper tradicional. Esa sensación de “trolleo” funciona como estrategia narrativa para reforzar el tema central: no se puede volver a casa. Así, el intento de Cooper de corregir el pasado termina atrapando a otros —y a sí mismo— en un ciclo de horror. Entre explosiones nucleares, viajes espaciales, rarezas musicales y escenas aparentemente triviales que adquieren peso filosófico, «El Regreso» se impone como un sueño febril tan disruptivo para los 2010 como lo fue la serie original para los 90.
02.- Blue Velvet (1986)
Algunos directores atraen al público hacia las películas de terror como si estuvieran en una casa embrujada. Los invita seductoramente a acercarse y analizar la pantalla en busca de pistas o sobresaltos. Lynch fue especial porque sembró sus pesadillas en nuestro interior. Y luego las animó a pudrirse allí como rosas podridas. Se inspiró en los mensajes subliminales de su propia mente, y se apoyó en el surrealismo para convertir esos temas aterradores en realidades sobrecogedoras. Así, Lynch transformó los miedos humanos universales en abstracciones únicas que marcarán para siempre el estándar de malestar experimentado en el cine.
«Terciopelo Azul» es posiblemente la película más aterradora del director. Con el apoyo de las actuaciones de Dennis Hopper, Isabella Rossellini y su musa recurrente Kyle MacLachlan y Laura Dern, este noir surrealista de 1986 cuenta una historia simple pero inexplicable. Cuando el excéntrico universitario Jeffrey Beaumont (MacLachlan) regresa a su ciudad natal de Carolina del Norte, solo para encontrar una oreja humana cercenada en un campo, el descubrimiento lo lleva al submundo de la cantante de salón Dorothy Vallens (Rossellini) y el criminal psicópata Frank Booth (Hopper).
Como siempre, el difunto Angelo Badalamenti realza la exquisitez de Lynch con una banda sonora igualmente impresionante. Y la imaginación titánica del cineasta inyecta una singular extrañeza suburbana en esta película increíblemente perturbadora, blandiendo destellos dulces propios de John Waters. Desde el número de «Sandman» hasta esas extrañas marionetas de pájaros, «Terciopelo Azul» de alguna manera logra que lo pintoresco se sienta petrificado e inesperado, sin importar cuántas veces lo domines.
01.- Mulholland Drive (2001)
Lynch miró de cerca el lado oscuro del mundo del cine varias veces Pero su mayor historia de amor en Los Ángeles llegó con las pasiones sucias de «Mulholland Driv»e. Una pareja lésbica clásica, una rubia (Naomi Watts) y una morena (Laura Harring), vive un amor destinado a terminar mal. La historia sigue a una joven que sueña con ser actriz y a un hombre sin memoria, que se conocen después de un intento de asesinato.
La película es un misterio lleno de fuerza. Y tiene uno de los besos en el cuello más recordados del cine. Este romance triste avanza con la misma tensión que las calles con curvas de las colinas de Hollywood. Desde un Winkie’s muy extraño (saludos a Patrick Fischler) hasta un final brillante que hoy se siente aún más fuerte, la película sigue viva con el paso del tiempo gracias a su mezcla de deseo, fantasía e ideas originales. Le dio a Lynch el premio a Mejor Director en Cannes en 2001 y cambió para siempre la imagen de esa famosa calle, dejando claro el poder de los sueños en la ciudad.
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