Antes que termine el año tenemos visita de lujo en Chile: Stewart Copeland, baterista de The Police, uno de los mejores y más influyentes de la historia del rock y la música popular, llega al escenario del Teatro Municipal de Santiago con su show “Police Deranged for Orchestra”, en que transforma los clásicos de The Police en formato sinfónico junto a una orquesta en vivo. La cita es el próximo lunes 15 de diciembre, quedan sólo las últimas entradas en Puntoticket y en la espera hablamos con el músico:
-Bienvenido a Futuro, Stewart. ¿Qué te parece volver por acá después de todos estos años, ahora en un formato diferente?
-Tengo muchas ganas de volver a Chile. Las dos veces que he estado allí han sido memorables. Y espero que esto sea solo un concierto, sin nada más, solo un concierto. Daremos un gran concierto. La gente estará contenta y lo disfrutaremos.
-Police Deranged for Orchestra, ¿qué tan fascinante es mostrar esta forma de interpretar los clásicos de The Police?
-Bueno, estas transformaciones surgieron cuando yo descuartizaba y cometía un sacrilegio con las canciones de The Police, porque usé la música para una película que hice sobre la banda, mi registro en formato Super 8. Y para hacer esta película, necesitaba que la banda sonora encajara con ella, lo que significaba que tuve que descuartizar la música The Police. Cuando salió el bisturí, empezó la orgía. Creé diferentes versiones de canciones de actuaciones en vivo, de tomas descartadas de estudio, etc. y las confeccioné para la película. Y luego, sucede que llevo décadas dando conciertos con la orquesta sinfónica y poco a poco incorporando material de The Police. Tengo muchas otras cosas, como la música de Spyro the Dragon, bandas sonoras de películas, etc. Eso es lo que he estado tocando. Pero un día, Satanás se me acercó, me habló al oído y me dijo: “Toca los éxitos”. Y al principio, como soy un artista con gran integridad, dije: “No, no, Satanás, apártate de mí, Satanás”. Un día dije: “Vale, claro, ¿por qué no?”. Y desde que tomé esta decisión, he disfrutado tocando estas canciones y también del público. Al principio, pensé que el público me perseguiría con antorchas encendidas por cometer este sacrilegio. Pero, de hecho, al público parece gustarle mucho. Es una buena historia. Así que no fue una idea que evolucionó con el tiempo.
-Por lo tanto, fue algo que fue madurando con el tiempo, no algo que se te ocurrió de la noche a la mañana.
-Bueno, llevo mucho tiempo trabajando con orquesta, aprendí a hacerlo con música de cine. Porque en el cine, la orquesta es una de las herramientas principales de la orquesta, del compositor. Y así aprendí cómo, y eso es lo que hago ahora. Me encanta la orquesta. La sinfónica es mi instrumento ahora. Un instrumento tan complejo que tocaré durante otros 50 años y seguiré siendo estudiante. Es muy absorbente. Y también es divertido tocar la batería porque puedo tocar con mucha más potencia. La orquesta es mucho más silenciosa que una banda, eso significa que tengo un rango dinámico mucho mayor. Si toco en un rango dinámico de dos a cinco, si quiero sonar fuerte, doy el golpe y tengo mucha potencia de reserva. Así que todo el ambiente del concierto orquestal es muy bueno para golpear la batería.
-¿Cuál es la parte más difícil de montar un espectáculo sinfónico?
-Supongo que lo más difícil es tener una orquesta nueva para cada concierto, algo que no se puede hacer con una banda de rock. Una banda de rock necesita cuatro meses para ensayar. Pero la orquesta está formada por músicos increíbles, a quienes cariñosamente llamo «los orcos». Y pueden leer con mucha atención lo que escribo. Con un ensayo de dos horas y media, están listos para el concierto de esta noche, mientras que una banda de rock tarda mucho más. Pero eso es algo que tengo que hacer en cada concierto en una ciudad nueva. Cuando llegue a Santiago, ensayaré con una orquesta nueva. Pero la música está escrita en la página. Y estos orcos son unos genios tocando exactamente lo que ven. Será divertido. Yo tengo a mis cantantes, mi guitarra y mi bajo. Pero la orquesta lee y toca lo que les paso. Son unos profesionales increíbles.
-¿Cómo ves la fusión entre rock, música popular y música clásica? ¿Son tan diferentes como uno puede creer o no tanto?
-De hecho, son muy diferentes. Los músicos de orquesta y los de rock pertenecen a dos familias musicales distintas. Hay músicos de vista y músicos de oído. Los músicos de rock son de oído, pueden tocar con los ojos cerrados. Conectan con sus oídos. Miran al vacío e improvisan. Aunque toquen una canción que han tocado cientos de veces, inventan sus propias partes. La orquesta son músicos de vista, conectan la música con la mirada. Y siguen la partitura. Toda su musicalidad está dedicada a interpretar exactamente lo que ven en ella. Su ego, su sentido de valor personal, se deriva de la fidelidad con la que interpretan lo que ven en la página. El flautista está a seis metros del trombón. No tienen ni idea de lo que hace el otro. Pero cada uno sabe que si obedecen la página, juntos formarán una poderosa orquesta sinfónica.
-Hay canciones que se adaptan más fácilmente a un formato sinfónico, hay otras que quizás no. El primer álbum de The Police es diferente a “Synchronicity”. ¿Qué pasa con esas viejas canciones que son más crudas?
-Como dije antes, el concierto tiene más fuerza gracias al rango dinámico. Pero algunas canciones no las pude alterar. Por ejemplo, “Message in a Bottle” es como un diamante. No se puede cambiar. Cortar ni una sola estrofa. No puedes hacerlo. Es exactamente como lo escribió Sting. Pero las texturas, como el riff, le sientan de maravilla a la orquesta. Es una línea genial para las cuerdas. Así que he experimentado con las texturas, pero la estructura de la canción es la misma. Otra canción, “Spirits in the Material World”, es tan básica, tan simple, que la primera mitad de nuestra interpretación es solo guitarra, bajo, batería y voz. Y la orquesta entra hacia el final. Esa no es una canción que necesariamente necesite orquestación. Otras sí. “Roxanne” está tan transformada, que espero que siquiera la pueden reconocer. Creo que lo podrán hacer. Pero es un enigma.
-Tendremos que verlo. Ahora echemos un vistazo a la historia. Aquí en Chile siempre recordamos la primera vez que tocó The Police en 1982 en el festival de Viña del Mar. Para algunos fue muy raro, pero fue genial. ¿Te acuerdas de eso? ¿Qué recuerdos tienes?
-Sí, me acuerdo. Fue un concierto fantástico. Pero la política en Chile en ese entonces era diferente a la de ahora. Y surgieron varios problemas relacionados con la política. Lo único que queríamos era dar un concierto para la gente. Pero surgieron algunos problemas que causaron fricción. Así que nos alegramos mucho de haber vuelto ahí 30 años después y dar un gran concierto.
-Eres reconocido como uno de los mejores bateristas del mundo. ¿Cómo ves lo que está pasando actualmente en el mundo de la batería? ¿Te gustan los nuevos talentos, los nuevos bateristas?
-Sí, claro. Hay nuevos bateristas y de hecho, en mi Instagram publico cada mes el “baterista del mes”. Las técnicas de batería han alcanzado niveles olímpicos que son alucinantes. Y me encantan. Quiero decir, como baterista, veo a esta gente haciendo pirotecnia impresionante. Pero es algo que sólo impresiona a los bateristas. No contribuyen al material ni a la canción de ninguna manera en particular. Pero no me importa. No me importa la canción. Me importan las cosas geniales que los bateristas modernos son capaces de hacer. Los bateristas realmente buenos son aquellos que tienen un pulso personal, un ritmo propio que no tiene nada que ver con la técnica. Nacen con él. Los bateristas nacen, no se hacen. Puedes practicar 15 horas al día y aun así no ser un gran baterista. O puedes practicar sin ninguna hora al día y ser un gran baterista como Charlie Watts o Ringo Starr. Sin pirotecnia, pero con un gran sentimiento. Y eso es lo importante.
-¿Y crees que las baterías tocadas por humanos pueden ser tocadas por máquinas? Todo lo que está pasando con la Inteligencia Artificial.
-Todos están corriendo en círculos por la IA. Pero los bateristas llevamos 50 años luchando contra los robots. Y seguimos aquí. Seguimos trabajando. Creo que la IA probablemente sea mucho más inteligente que las drum box (cajas de ritmo electrónicas). Así que no estamos tan aterrorizados como la mayoría. Por cierto, mi hijo es cineasta y usa IA. Y la IA no le está robando el trabajo. No le está robando la creatividad. No. Le proporciona herramientas que le permiten, como un multiplicador de fuerza, hacer cosas increíbles sin gastar una fortuna que no podría hacer sin IA. Ahora puede hacer películas con un valor de producción mucho mayor que antes. Así que la IA no representa una amenaza para las personas creativas. Pero sí es una amenaza para los carpinteros que construyen sets, para los buscadores de locaciones, para toda la gente de abajo que ya está amenazada de muchas maneras. Es una amenaza para esa gente. Y siento empatía por ellos. Pero también siento empatía por el cineasta, como mi hijo, que solo quiere crear imágenes increíbles en la pantalla, y por cualquier medio. Y si eso significa que no tiene que ir a un lugar exótico ni gastar una fortuna en un equipo de rodaje, pero puede hacer películas increíbles, para él, eso es algo bueno.
-Así que, como con toda la tecnología, todo depende de cómo se use.
-Exactamente. Por cierto, yo también uso cajas de ritmos. No tengo ningún problema. Fui la primera persona que conozco en tener una caja de ritmos, allá por 1975. Y en aquellos tiempos, no se inventaron para grabar música. Se inventaron para un piano que tocaba en un piano bar para acompañarse. Y él tenía una pequeña caja de ritmos con ajustes. Rumba, polca, pop uno y pop dos, ya sabes. Y luego puede tocar el piano con él. Para eso se inventaron. Pero en cuanto lo descubrí, me compré una para grabar mi guitarra encima en mis grabaciones caseras. Así que siempre he usado esa máquina. Lo curioso, y esto es muy extraño, es que la música es una forma de arte muy visceral y poderosa, más poderosa que cualquier otra. Nos encanta la pintura, la literatura y otras formas de arte. Pero la música es el único arte que controla físicamente el cuerpo. Hace que tu cuerpo se mueva de maneras extrañas. De hecho, ¿qué tipo de movimiento extraño inspira? Exhibiciones sexuales manifiestas. La música hace eso. Este movimiento corporal fundamental, básico, humano e instintivo en la pista de baile, donde hombres y mujeres en público se muestran sus partes íntimas. Los arrestarían si lo hicieran sin música. En la pista de baile, ¿qué hace bailar a la gente? No es Charlie Watts. No soy yo. Es una maldita caja de ritmos.
-Hablando de grandes bateristas, si pudieras elegir a uno para una batalla de batería, ¿quién sería?
-Quizás el de los Ramones. Porque así seguro que gano. Pero bueno, ¿a quién más eligiría? A Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience). A Buddy Rich. Pero hoy en día hay chicos en Instagram que pueden hacer todo lo que Buddy Rich podía hacer multiplicado por diez. Y es increíble. Es como los Juegos Olímpicos en el deporte. Cada año la gente puede saltar más alto y correr más rápido. No entiendo cómo el cuerpo humano no evoluciona de un año para otro. Pero por alguna razón, la gente puede hacer cada vez más. Así que ahora, con la habilidad de un niño de 12 años a la batería, puede hacer todo lo que Buddy Rich podía hacer. Pero Buddy Rich lo inventó. Por eso le doy mi voto.
-En ese sentido, ¿lo físico es tan importante como lo que está en la mente? ¿O qué es más importante?
-Bueno, claro que lo físico está conectado con la mente. Y en algún lugar de la mente está el instinto. Si consideramos el instinto como parte de la mente, creo que el instinto es el factor principal. Un ritmo innato, que puedes practicar más o menos, no supone una gran diferencia si tu ritmo es instintivo.
-Bien, Stewart, ha sido un gusto. ¿Tienes unas últimas palabras para tu gente?
-Lleven abrigo, porque se va a poner feo. Nah, estoy con muchas ganas esperándolo. ¡Nos vemos ahí! Gracias a todos.
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