B.B. King fue mucho más que una guitarra Gibson y unos riffs fulgurantes. Durante décadas, fue una de las mayores estrellas de la radio afroamericana, lanzando 75 sencillos de R&B de éxito entre 1951 y 1992.
King fue el abanderado del blues de Memphis durante toda su carrera.Pero también prestó atención a la música popular que evolucionó a su alrededor. Sus mejores discos expandieron el concepto de blues, incorporando sonidos de R&B, soul y funk. La voz de King y los solos desgarradores que tocaba con las guitarras que llamó «Lucille» fueron constantes. Pero todo a su alrededor cambió.
Sus 10 mejores canciones, según la radio del rock y todas ellas éxitos en su momento, son una muestra de la amplitud de su arte. En Futuro, recordamos a B.B. King en su centenario.
Three O’Clock Blues
No fue el primer sencillo de B.B. King, sino más bien el noveno. Pero esta versión de «Three O’Clock Blues» de Lowell Fulson, que B.B. King lanzó en 1951, se convirtió en su primer y mayor éxito, encabezando las listas de R&B durante cinco semanas. A pesar de su crudeza (la voz y la guitarra de King son mucho más fuertes que todo lo demás), «Three O’Clock Blues» sentó las bases de su carrera, con el tono rico y urbano de su voz, respondido después de casi cada frase por un comentario cruel y espinoso de su guitarra, y un arreglo un poco más sofisticado que el blues rural de cabaña rural que sugiere. Incluso incluye una sección de instrumentos de viento.
Every Day I Have the Blues
La versión de B.B. King pudo haber sido superada en ventas por la versión rival grabada ese mismo año por Joe Williams y la Orquesta de Count Basie, pero al abrir sus conciertos con «Every Day I Have the Blues» hasta bien entrada la década de los setenta, King se convirtió en el bluesman con el que más se identifica este maleable estándar del blues hasta la fecha. Atribuyó su éxito a la melodía, originada con los hermanos Sparks en la década de los treinta y que alcanzó su forma moderna (si no su título) en 1949 con «Nobody Loves Me» de Memphis Slim, gracias a las nítidas y relajadas notas de trompeta del arreglista Maxwell Davis.
Don’t Answer the Door
A mediados de los sesenta, B.B. King alcanzó su madurez como guitarrista, caracterizado por ráfagas de frases agudas y precisas, sutilmente flexionadas por el vibrato de la mano izquierda, presente en este éxito particularmente melancólico. Mientras un órgano resuena de fondo, cambiando de un acorde a otro como placas tectónicas, King aúlla con insistencia a su mujer para que se quede encerrada en casa todo el día, lejos de su familia. Nunca revela el origen de la furia posesiva de sus letras.
The Thrill Is Gone
El mayor éxito pop de B.B. King reelaboró drásticamente la grabación original de Roy Hawkins de 1951, transformando la queja de un hombre agraviado, pasando de la rabia desconsolada a un escalofrío vengativo. Producido por Bill Szymczyk, quien pronto colaboraría con los Eagles en sus discos más importantes de los setenta, el ritmo es elegante y controlado, y las cuerdas, lo suficientemente contenidas como para añadir dramatismo y tensión, además de un contrapunto melódico de graves. El trabajo de King con la guitarra alcanza su máximo apogeo: aprieta las notas con una precisión gélida y desdeñosa, para luego expandirse líricamente con sutiles variaciones sobre la melodía vocal.
To Know You Is to Love You
Stevie Wonder y Syreeta Wright coescribieron la canción principal del álbum de B.B. King de 1973, de ritmo lento y ocho minutos y medio de duración. En ella, contó con el acompañamiento de músicos de estudio de Filadelfia —incluidos el baterista Earl Young y el guitarrista Norman Harris— que empezaban a crear el sonido disco. El funk burbujeante resultante distaba mucho del blues puro que King (en su mayoría) aún interpretaba en el escenario, pero expandió su arte mucho más allá de lo que «The Thrill Is Gone» había abierto, e incluso lo llevó a Soul Train.
You Upset Me Baby
El cuarto éxito número uno de R&B de B.B. King arranca con una fanfarria de seis notas de trompeta que se desvanece para dar paso a una distintiva introducción de guitarra con bucles. Versiones posteriores en vivo simplificarían este tema original de King, convirtiéndolo en un ejercicio enérgico, pero el ritmo pausado de la versión de estudio se adapta a la admirada y bondadosa profesión de King, hecha con un encanto desenfadado. Y su alarde informal sobre las medidas de su objeto de deseo (36-28-44) da fe del atractivo atemporal de los traseros grandes en las canciones pop.
Sweet Sixteen
Tras empezar a preferir baladas pop más suaves a finales de los cincuenta en un intento por ampliar su público, la carrera de B.B. King como creador de éxitos de R&B se estancó: ninguno de sus sencillos llegó a las listas de éxitos en 1959. Pero volvió a lo que mejor sabía hacer con «Sweet Sixteen», una pieza de Big Joe Turner a la que King despojó de sus potentes metales. King hace eco de cada queja vocal con un breve comentario de guitarra, verso tras verso que se va construyendo lentamente hasta alcanzar una intensidad feroz que resulta aún más poderosa porque nunca desborda en catarsis.
Why I Sing the Blues
El clímax del álbum de B.B. King de 1969, Live & Well —grabado con una banda de estudio que incluía a Al Kooper al piano— es un catálogo discreto pero furioso de las indignidades de la historia afroamericana, desde el Pasaje Medio hasta la pobreza urbana, con una estrofa adicional en la que King (que entonces rondaba los cuarenta) lamenta su vejez. También tiene un ritmo más contemporáneo que muchos de sus sencillos de la época: su antiguo sello, Kent Records, que había dejado en 1962, continuó cosechando éxitos con su colección de grabaciones hasta 1971.
Chains and Things
Tras el éxito de «The Thrill Is Gone», B.B. King comenzó a experimentar con más frecuencia con arreglos inspirados en el pop y el rock. El más exitoso de los seis sencillos lanzados de Indianola Mississipi Seeds, el éxito de 1970, es una canción lenta y arrepentida cuya frase más distintiva, más triste que triste, surgió de un error. King, explicó más tarde, «toqué la nota equivocada y me las arreglé para salir de ella… Le pedimos al arreglista que hiciera que las cuerdas la siguieran». El conmovedor riff de piano eléctrico que subraya la canción lo interpreta nada menos que Carole King.
Never Make a Move Too Soon
La banda de jazz fusión Crusaders acompañó a B.B. King en su álbum de 1978, Midnight Believer. Adaptada de una canción instrumental que Crusaders había grabado años antes como «Greasy Spoon», «Never Make a Move Too Soon» fue modernizada con una letra ingeniosa y precisa sobre estrategias de relación y un arreglo festivo y sofisticado que recuerda a «Got to Give It Up» de Marvin Gaye. Se convirtió en un éxito del Top 20 de R&B y en un clásico, versionada por artistas de todos los tamaños, desde Bonnie Raitt hasta Toni Tennille. King la regrabó posteriormente a dúo con Roger Daltrey.
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