Si los 50 expusieron al mundo de la música al rock and roll, los 60 lo convirtieron en un movimiento cultural. Cada año, aparecía un nuevo disco o artista con una nueva interpretación del género. Siempre blandiendo nuevas técnicas de producción que dejarían su huella en el mundo. O escribiendo algunas de las canciones más atemporales que surgieron de la revolución de la contracultura. Los tiempos estaban cambiando y grupos como The Beatles y Bob Dylan estaban a la vanguardia de todo.
Desde el comienzo de la «Invasión británica» hasta la génesis del Verano del amor. Siempre hubo discos que dejaron un impacto indeleble en las generaciones futuras del rock and roll. Aunque no a todos los discos los aplaudieron en su época, las canciones que contienen han envejecido como el buen vino. Uniendo diferentes piezas musicales para crear una cornucopia de sonidos diferentes que nadie había escuchado nunca.
No fue hasta las siguientes generaciones que la mayoría de los fans escucharon que estos álbumes dejaron su huella. Aunque no todos los discos volaron de las estanterías al principio, quienes los escucharon quedaron atónitos y terminaron cogiendo sus propios instrumentos e intentando recuperar la misma magia que se encendió cuando escucharon esta música cuando eran niños.
Algunos de estos discos siguen influyendo en generaciones de músicos, tomando los elementos básicos del rock and roll y agregándoles diferentes arreglos para exponerlos al mundo. Y en Futuro elegimos esos 10 discos perfectos de los 60 de principio a fin.
The Beatles – Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)
Durante un breve período a mediados de los 60, parecía que los Beatles habían dicho todo lo que tenían que decir. Después de impulsar el género con la Invasión Británica, su salida de la carretera habría marcado el final para cualquier otro grupo, que finalmente se retiraría y se convertiría en otra reliquia de la década. En lugar de retirarse, los Beatles se instalaron en los estudios Abbey Road y sirvieron a su musa dondequiera que esta los guiara. Con Paul McCartney ideando una banda imaginaria, «Sgt Pepper» marcó el comienzo de algo más inventivo para la música rock. Los Beatles se estaban sumergiendo de cabeza en el territorio experimental, con cada compositor haciendo una subversión del rock and roll. Aunque este álbum dio inicio al Verano del Amor, algunos de sus mejores momentos son atemporales por sí mismos. Puede que los Beatles ya hayan revolucionado lo que se suponía que era el rock and roll en 1963. Pero «Sgt Pepper» fue el comienzo de su segunda fase que dio permiso a todas las generaciones futuras para usar el estudio como un instrumento.
The Velvet Underground -The Velvet Underground and Nico (1967)
El rock artístico nunca estuvo destinado a permanecer en las listas de éxitos durante mucho tiempo. Aunque los grandes artistas de la época progresaban a pasos agigantados, algunos de los más grandes artistas a menudo eran relegados al final de la lista Hot 100. O bien disminuyendo su popularidad o nunca se veía ninguna de sus canciones en las listas de éxitos del pop. Si bien parte de la música experimental de los Beatles era demasiado para soportar, el público estaba prácticamente horrorizado cuando The Velvet Underground puso la pelota en marcha. Nacidos en el sórdido submundo de la ciudad de Nueva York, las odas de Lou Reed a la vida en el lado equivocado de las vías se convirtieron en un desastre comercial. OK, las canciones de la cantante alemana Nico sonaban inmaculadas, como «All Tomorrow’s Parties. Pero lass canciones de Reed sobre la vida en la calle fueron un shock para el sistema en ese momento, utilizando canciones para hablar de su dependencia de las drogas o sus deseos sexuales fuera del rock and roll. Aunque todos los críticos criticaron duramente el debut de The Velvet, entre los surcos del disco se encontraba el comienzo de todos los movimientos contraculturales que vendrían después, desde el movimiento punk que comenzaría en la década siguiente hasta la producción destartalada que se volvería habitual una vez que el grunge se convirtió en el género más importante del mundo en los 90. Lou Reed no tenía vergüenza de mostrar los rincones oscuros de sí mismo. Pero al desnudarse emocionalmente ante sus fans, un millón de otros artistas también encontraron el coraje de ser ellos mismos.
The Doors – The Doors (1967)
Aunque The Doors puede que hayan crecido en la escena del rock en sus inicios, Jim Morrison tenía otros planes cuando comenzó su viaje de autodescubrimiento musical. En el álbum debut de The Doors, Morrison pinta vívidas imágenes de lo que él cree que debería ser la vida. Ya sea tratando de entrar en otra conciencia en «Break On Through». O tratando de satisfacer su deseo sexual en «Light My Fire». Mientras Morrison intentaba hacer un gran avance mental, el resto de la banda aportó nuevos elementos al rock and roll. Sin bajista del que hablar y algunas de sus mejores canciones con el increíble trabajo de teclado de Ray Manzarek. The Doors sólo buscaban su propia versión de la diversión. Pero las siguientes generaciones de fans del rock se aferraron a su naturaleza sexual innata. Desde la forma en que Morrison se comportaba en el escenario hasta la visión distorsionada de la realidad que creaban al hacer sus obras maestras. A pesar de todas las grandes viñetas sonoras que surgían de la escena de Haight-Ashbury en ese momento, siempre hubo un lado oscuro del flower power, y The Doors fue el encargado de poner un espejo frente a esas imágenes oscuras.
The Stooges – The Stooges (1969)
La mayoría de la música que sonaba en la radio a mediados de los 60 tendía a ser más familiar que cualquier otra cosa. Aunque algunas bandas hacían música experimental que no estaba precisamente destinada a los niños, estaba reservada principalmente para audiencias de nicho en lugar de aparecer en las listas de éxitos. Sin embargo, al final de la década, surgió una banda de Detroit que parecía uno de los grupos más peligrosos de todos los tiempos. A medida que los fans se acostumbraban a Iggy y The Stooges, su álbum debut se convirtió en el llamado de atención para los punks de todo el mundo. Con Iggy cantando sobre todo. Desde el aburrimiento hasta el deseo de causar la mayor destrucción posible para el final de la canción. Aunque había algo de anarquismo involucrado, Iggy sabía exactamente lo que estaba haciendo. Utilizó su arte escénico para conectarse con su audiencia de manera más profunda que simplemente con una melodía pegadiza. Aunque la mayoría de los fans potenciales mantuvieron la distancia en sus primeros shows, el ejército de The Stooges rápidamente comenzó a mostrar sus colores, convirtiéndose en una de las primeras bandas de punk rock cuando comenzó la siguiente revolución casi una década después. Puede que el rock and roll, al fin y al cabo, sea solo cuestión de canción, pero no hay nada de malo en introducir un poco de anarquía en la escena de vez en cuando.
The Who – Tommy (1969)
Desde el primer día, Pete Townshend siempre supo que el rock and roll era mucho más que una canción de éxito estándar. Aunque «My Generation» había revolucionado el mundo con uno de los primeros himnos antisistema, Townshend quería soñar a lo grande. Fue más allá del sencillo ajustado en proyectos experimentales como «The Who Sell Out». Después de intentar contar una historia en sus últimos discos, Townshend tuvo la idea de llevar el rock and roll al mundo del teatro. Con la idea de contar una historia sobre un niño sordo, mudo y ciego que solo puede encontrar su salida a través de la música, «Tommy» es una historia agridulce que se extiende en dos discos de vinilo. Townshend documenta el viaje de Tommy desde el abuso por parte de su familia hasta encontrar una vocación en el pinball antes de finalmente ser expulsado una vez más cuando sus fans se dan cuenta de que no puede otorgarles la salvación espiritual que esperan. Más allá de la premisa, la incorporación de cuerdas contribuyó a aportar una sensibilidad barroca al rock and roll. Esto le dio a cada una de las melodías de Townshend un alcance operístico. Especialmente cuando se combinaba con la voz de Roger Daltrey y los sonidos atronadores de la batería de Keith Moon. Más que nada, este álbum puso en marcha la génesis del álbum conceptual, con todos, desde Pink Floyd hasta Green Day, intentando contar una historia a través de la música. A pesar de todo su arduo trabajo, Townshend terminó demostrando que la música podía significar algo más.
Led Zeppelin – Led Zeppelin I (1969)
A principios de los 60, Jimmy Page parecía haber encontrado su nicho tocando con The Yardbirds. Tras años de tocar como músico de sesión, su etapa como joven bluesero influyó en la mayoría de sus mayores éxitosPero . Page siempre supo que había algo más que el blues. Y fue con uno de los primeros supergrupos con el que hizo estallar el blues. Aunque la mayor parte del primer disco de Led Zeppelin se basaba en gran medida en las tradiciones del blues, su forma de habitar las canciones hizo que todo el mundo del rock se pusiera de pie. Con el aullido de Robert Plant y el atronador pisotón de John Bonham, nadie había oído nada parecido a este tipo de blues. Haciendo canciones que estaban destinadas a poner banda sonora al apocalipsis, como «Dazed and Confused» y «Communication Breakdown». Incluso con su material acústico como «Babe I’m Gonna Leave You», Zeppelin siempre se enorgullecieron de su heavy metal, que luego influiría en legiones de bandas de hard rock y heavy metal, a menudo comparando a Zeppelin con la primera vez que escucharon grupos como The Beatles. Zeppelin puede que nunca haya adoptado la etiqueta de metal, pero las canciones de su debut tocaron la fibra sensible de cualquier aspirante a rockero que hubiera nacido para hacer sonar su música lo más fuerte posible.
The Beach Boys – Pet Sounds (1966)
Los Beach Boys podrían haber seguido con su estilo hasta el fin de los tiempos. Pero eso no fue suficiente para Brian Wilson. Escuchó «Rubber Soul» de los Beatles. Y quiso hacer una declaración musical lo suficientemente buena como para estar a la altura de la banda de Liverpool. Así, creó «Pet Sounds» a partir de los vívidos sonidos que tenía en la cabeza. Aunque Wilson inicialmente recibió críticas del resto de la banda por sus conceptos extraños, su trabajo con las leyendas del estudio The Wrecking Crew dio lugar a algunos de los arreglos pop más inteligentes jamás realizados, tejiendo acordes intrincados en canciones hermosas como «Wouldn’t It Be Nice» y «God Only Knows». Si bien The Beach Boys finalmente lograron su obra maestra, Wilson también perdió un poco de cordura. Sufrió una crisis nerviosa mientras estaba de gira y su siguiente trabajo, «Smile», no se hizo realidad hasta años después. Incluso sin el mega trabajo posterior de Wilson, hoy en día hay muy pocos compositores pop que puedan siquiera aspirar a alcanzar las alturas de lo que logró «Pet Sounds» en los 60.
Bob Dylan – Highway 61 Revisited (1965)
Bob Dylan es considerado uno de los artistas más fundamentales de su generación. Y una de sus mejores obras ocurrió con el giro más brusco de su carrera. Después de la experimentación con la música rock en la otra cara de «Bringing It All Back Home», Dylan se atrevió a soñar en grande en «Highway 61 Revisited». Escribió canciones con la misma profundidad que su trabajo anterior. Pero con un toque adicional en los arreglos. Aunque los puristas del folk gritaron «se vendió» cuando Dylan decidió tomar una guitarra eléctrica, los sonidos que hizo en este disco todavía resuenan en todo el mundo de la música. Aunque esto podría haber sido todo lo que los fans de Dylan esperaban de su héroe, él tampoco afirma tener todas las respuestas en este álbum. Al escuchar un tema como “Like A Rolling Stone”, Dylan busca derribar el movimiento que ha construido a su alrededor y abrir camino hacia algo diferente. No sería fácil. Vaya que los 60 no lo fueron. Pero Dylan necesitaba este tipo de álbum para aferrarse a su humanidad.
Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967)
A medida que el Verano del Amor comenzó a arrasar ambos lados del Atlántico, la escena musical inglesa también vio un aumento en las bandas de blues. Había tanta gente que quería cantar sobre vivir en una utopía. Pero algunos de los mejores grupos de la escena estaban haciendo canciones al estilo de los Rolling Stones,. Con riffs cáusticos y canciones que eran bajas y sucias. En un mundo donde el blues y la psicodelia parecían estar en dos lados separados del espectro, un trasplantado de Seattle se preguntó si era demasiado pedir ambos. Jimi Hendrix irrumpió en la escena. Y los fans quedaron atónitos con lo que estaba sacando de su guitarra. Desde el minuto en que comenzó el ritmo inicial de «Purple Haze», una generación entera de aspirantes a guitarristas había encontrado a su nuevo héroe de la guitarra. Hendrix tocaba una extraña mezcla de ritmo y guitarra principal. Todo mientras infundía elementos de soul, blues y hard rock en su pequeña y extraña mezcla. No hay muchos guitarristas modernos que digan que no fueron influenciados por Hendrix de alguna manera. Desde su forma de entrelazar notas hasta su estética de vagabundo salvaje que se convertía en un animal salvaje cuando se ponía la guitarra. Otros artistas pueden dejar una marca en la historia del rock en función de su producción, pero en poco más de media hora, Hendrix reescribió el libro de reglas sobre lo que se suponía que debía ser la guitarra principal.
King Crimson – In the Court of the Crimson King (1969)
Hacia finales de los 60, las bandas de rock empezaron a jugar con los parámetros que constituían un éxito. Aunque el sencillo de tres minutos todavía no había perdido popularidad, los músicos profesionales aparecían por todas partes. Pensaron que el rock and roll era algo más que una melodía pegadiza para que sonara en la radio. El rock consistía en construir arte auditivo. Y el álbum debut de King Crimson llevó esos principios a nuevas alturas. A lo largo de «In the Court of the Crimson King», cada miembro de la banda se esfuerza por alcanzar nuevas cotas que el rock nunca había visto antes. En lugar de depender de las tradiciones del blues, es fácil detectar indicios de jazz, música clásica e incluso algunas piezas de vanguardia. A medida que avanza el álbum, la duración de las canciones también se extiende más allá de su métrica normal. Creando odiseas musicales a medida que Greg Lake y Robert Fripp tocan en círculos uno alrededor del otro durante minutos seguidos. Aunque los fans no lo supieran en ese momento, este fue el comienzo de la música rock progresiva, con grupos como Genesis y Yes siguiendo los pasos de King Crimson para hacer canciones que duraban minutos y creaban una historia en la mente del oyente. King Crimson puede haber sido la primera banda de rock progresivo, pero en lo que respecta a la banda, siempre se trató de expandir las capacidades de lo que la música podía hacer.