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Al Pacino: sus 10 mejores interpretaciones, según Futuro

En su cumpleaños 82, festejamos a uno de los grandes actores de la historia del cine y destacamos lo mejor de su trayectoria.

Al Pacino Scarface Web
Universal Pictures

Desde que podemos recordar, Al Pacino ha sido una especie de «actor de sorpresa». Almacena una rabia devoradora del mundo en lo profundo de esos ojos hambrientos y negros como el carbón, luego gira la manivela. A veces explota fuera de él; a veces se deja vibrar debajo de la superficie. Oscilará entre los extremos del control total y la pérdida total del control, ideas que puede aplicar igualmente a los roles de criminal, amante o adicto.

Algunos de los personajes de Pacino, como Tony Montana y Michael Corleone, se han arraigado en la cultura popular. Su trabajo es tan visible que es extrañamente fácil de ignorar. Ha ganado un Oscar, un Emmy y un Tony (conocido como la «Triple Corona de la Actuación»), pero también tiene un historial de ser rechazado por sus compañeros.

Y en el día en que cumple 82 años, destacamos las 10 mejores interpretaciones de Al Pacino…

The Panic in Needle Park (1971)

Cuando se estrenó «The Panic in Needle Park», pocos prestaron atención a la actuación nerviosa y acalorada de Pacino como un adicto a las drogas en Nueva York. Fue la segunda película que hizo, pero también fue el debut en la pantalla de su coprotagonista Kitty Winn: el público se enamoró de su vulnerabilidad pura y de la forma en que el miedo parpadeó en sus ojos como una polilla atrapada. Ganó Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes. Es una pena que nunca haya disfrutado de una carrera como la de Pacino. Pero «The Panic in Needle Park» no es solo una actuación importante de Pacino, es fascinante: el actor aquí aparece como un talento completamente formado. Coescrito por Joan Didion, la película navega por todos los altibajos del ciclo de la adicción, y Pacino acepta fácilmente cada cambio emocional. Puede expresar el amor en su forma más pura y cuajada. El director de la película, Schatzberg, volvería a trabajar con él en Scarecrow, mientras que también le valió el papel que cambió su carrera de Michael Corleone en El padrino.

The Godfather (1972)

El estudio nunca quiso que Pacino interpretara a Michael Corleone. Para ellos, era demasiado loco e intenso, todavía el adicto a las drogas de «The Panic en Needle Park». Lo que necesitaba «El Padrino» era la mandíbula fuerte y el carisma estrellado de Robert Redford o Warren Beatty. Pero Francis Ford Coppola reconoció algo en Pacino, que describió como «esta sorprendente cualidad magnética, este ambiente ardiente». Solo él podía retratar fielmente a un hombre despojado de su inocencia por la atracción invisible, pero innegable, del deber familiar. Michael está comprometido a llevar una vida estadounidense normal fuera de la mafia, pero se ve arrastrado al ciclo interminable de violencia que perpetúa su familia. A medida que el rostro de Pacino se endurece y se enfría, Michael se da cuenta de que no solo no puede escapar de los pecados de su padre, no hay nada que hacer más que abrazarlos.

Serpico (1973)

Las mejores actuaciones de Pacino se concentran en una sola serie de películas, iniciadas con «The Panic in Needle Park» de 1971 y concluyendo con «Dog Day Afternoon» de 1975. Escondido entre los dos primeros Padrinos está el convincente drama policial Serpico de Sidney Lumet: una oportunidad para que Pacino salte la valla moral y explore la vida como el buen chico. También le dio la oportunidad de dejar crecer una deliciosa cabellera hippie y una gran barba. La película está basada en la historia real del oficial de policía de Nueva York Frank Serpico, un denunciante que expuso la corrupción desenfrenada en la aplicación de la ley y sufrió mucho por ello. Pero Pacino fue capaz de traer las mismas cualidades aquí que lo hizo en su galería de pícaros habitual. La cordura de Frank se estira sobre el perchero hasta que alcanza el punto máximo de tensión. Pero la ira aquí es justa, al menos.

The Godfather Part II (1974)

Michael Corleone es, sin lugar a dudas, el papel más importante de la carrera del actor. Lo que marca la diferencia entre su actuación en la primera y la segunda película de «El Padrino» es el alcance de su transformación. Empieza a caer en la Parte I, pero se vuelve irreconocible en la Parte II. Es un hombre que ahora está dispuesto a asesinar a su propia familia para mantener su santidad. Cuando le da a su hermano Fredo (John Cazale) el beso de la muerte, sus emociones cambian rápidamente entre la furia raptorial (hay un momento en el que piensas que podría aplastar a Fredo con sus propias manos) y una profunda sensación de pérdida. Es desgarrador ver a alguien tan consumido por la oscuridad. Coppola inserta flashbacks de los crímenes del padre de Michael, Vito Corleone (Robert De Niro), para recalcar la naturaleza cíclica de la violencia. Es uno de los grandes arcos trágicos de Hollywood. Y Pacino se compromete como si su vida dependiera de ello: esos ojos que estamos tan acostumbrados a ver llenos de rabia ardiente ahora también están salpicados de profunda culpa y arrepentimiento. Pacino fue nominado a un Oscar por «El Padrino II», pero perdió el premio ante Art Carney por «Harry y Tonto». Sigue siendo uno de los errores más escandalosos de la Academia.

Dog Day Afternoon (1975)

Una de las escenas por excelencia de Pacino lo ve caminar y subir por la acera fuera de un banco de la ciudad como un tigre enjaulado. Está jugando a Sonny Wortzik, un ladrón de bancos contra la pared. La policía lo tiene rodeado. Los medios pueden saborear la sangre. Sabe que las cosas acabarán mal. Todo lo que puede hacer ahora es intentar tomar un pequeño control de la situación. Y entonces comienza a gritar “¡Ática! ¡Ática! ¡Attica! ”, Irritando a la multitud al recordarles la fuerza bruta que las fuerzas del orden emplearon en un motín en la prisión de Attica un año antes. Pacino está aquí lleno de una especie de histeria trascendente. Escupe las palabras como si estuviera exorcizando un espíritu malévolo de su cuerpo. El suyo es un doble pánico: no solo se ha visto sumido en una situación precaria de rehenes, sino que teme que la gente descubra que, de hecho, es un hombre casado que quiere usar el dinero para pagar la cirugía de cambio de sexo de su novia (Chris Sarandon). La película de Lumet (su segunda colaboración con Pacino después de «The Panic in Needle Park») es una sección sensorial y cautivadora de la Nueva York de los setenta. Pacino aporta textura y profundidad a ese mundo.

Cruising (1980)

Pacino encontró la realización de este controvertido thriller de William Friedkin tan extenuante que rara vez se habla de él en los años posteriores. O tal vez se deba a la naturaleza deslumbrante del papel central, interpretando a un policía de Nueva York que se infiltra en la escena gay de la ciudad para atrapar a un asesino sádico. Definitivamente es surrealista ver al desgastado e imponente Pacino navegando por la cultura subterránea de Manhattan en ese momento. Y surgen preguntas oscuras sobre si su personaje es realmente responsable de los asesinatos. ¿Quizás la combinación de psicología incómoda, sexualidad gráfica y violencia salvaje hizo que Pacino se sintiera incómodo? Ese fue ciertamente el caso con el público en ese momento, pero la película se destaca como un valor atípico intrigante en la carrera del actor.

Scarface (1983)

Es una dura acusación de la fobia a la diversidad de Hollywood que Pacino, un italoamericano, fuera elegido por Brian De Palma como un inmigrante latino no una vez, sino dos veces (más adelante incluímos el otro ejemplo). Pero la interpretación del actor de Tony Montana, un traficante de drogas de Miami que sube a la cima e inmediatamente pierde la trama, es algo legendario. La cocaína fluye por las venas de este hombre. Sus delirios se han cimentado en kitsch dorado. Piensa en un arma de fuego como su «amiguito». Pacino entrega a Tony en la misma cadencia errática que Frank Slade en Scent of a Woman, pero su exorbitación aquí está justificada. Tony no es un hombre; es un símbolo de total corrupción moral. El hecho de que desde entonces haya sido adoptado como un héroe de culto empresarial es revelador, también lo es el hecho de que el culto consumista de la década fue tan absurdo que muchos críticos no se dieron cuenta de que De Palma estaba actuando firmemente en el papel de satírico.

Scent Of A Woman (1992)

Esta fue la película que, sorprendentemente, le valió a Pacino su primer Oscar. «Scent Of A Woman» lo encuentra en forma locuaz y gritona como el veterano militar ciego Frank Slade, quien entrena a un joven de preparatoria (Chris O’Donnell) en los caminos del mundo. Es una lástima que Pacino no se haya ganado a la Academia con sus representaciones más sutiles y en capas de la década de 1970, pero la fanfarronada «hoo-hah» de Frank casi nos gana. A pesar de los excesos del personaje, se necesita un actor de verdadera habilidad para transmitir la profundidad del sentimiento detrás de unos ojos que no pueden ver nada. Es un recordatorio de la habilidad de Pacino para localizar la empatía incluso en las personas más imperfectas.

Carlito’s Way (1993)

«Carlito’s Way» nunca mereció su reputación como el hermano pequeño de «Scarface». Sí, las similitudes superficiales están ahí: ambas son historias dirigidas por De Palma que protagonizan a Pacino como un tipo criminal latino. Pero son tonalmente extraños entre sí. Scarface es la parodia de la masculinidad, mientras que Carlito’s Way aborda la idea con mucha más sinceridad. Su personaje principal, Carlito Brigante, ha prometido seguir recto, pero descubre que es casi imposible escapar del pasado. Entonces, el enfoque de Pacino aquí es ser más suave y más discreto, respaldado por una sensación de trágica inevitabilidad. Cuando te acosa Benny (John Leguizamo), un gángster más joven y engreído, puedes sentir el viejo impulso de violencia de Carlito asomando por la cabeza. Pero intenta empujarlo hacia abajo. Busca a tientas un poco. Sus ojos revolotean por la habitación, repentinamente llenos de incertidumbre. Carlito está claramente incómodo con esta nueva piel que él mismo ha creado. Cuando su recién descubierta dedicación a la moralidad fracasa, el público seguramente saldrá con un sabor amargo en la boca.

The Irishman (2019)

Si las últimas dos décadas hemos visto a Pacino sumergirse en la autoparodia, «The Irishman» fue su oportunidad de reafirmarse como uno de los grandes. Lo mismo ocurrió con los coprotagonistas Robert De Niro y Joe Pesci; incluso el director Martin Scorsese salió y demostró que sigue siendo el maestro indiscutible del género de gánsteres. Es una película silenciosa y profundamente reflexiva que funciona como un retroceso a la época dorada de las carreras de estos hombres y como un reexamen crítico de sus propios legados. Pacino, interpretando al presidente del sindicato Jimmy Hoffa, reaviva su carisma ardiente solo para fundamentarlo inmediatamente en una compleja red de rectitud e indignación moral. Puede que no sea la actuación más llamativa de su carrera, pero es un regreso sublime a la forma.

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