«The Tragedy of Macbeth» es la próxima película de Joel Coen, la cual no está dirigida en conjunto con su hermano Ethan. Una decisión que resultó bastante extraña parasus seguidores, ya que es muy común verlos trabajando juntos. Han dirigido «Funa veintena d epelículas, muchas de ellas obras maestras. Y ahora, sabemos que esto se debe a que los hermanos Coen se han separado.
Durante una entrevista para el podcast Score, Carter Burwell, compositor habitual en las películas de los hermanos Coen, reveló lo siguiente: “Ethan ya no quiere hacer más películas. Parece ser muy feliz con lo que está haciendo ahora y tampoco sé qué va a hacer Joel después de esto. También tienen un montón de guiones que han escrito juntos y que están en varias estanterías. Espero que vuelvan a ellos. He leído algunos de ellos, y son geniales. Todos estamos en una edad en la que no sabemos… podríamos retirarnos. Es un negocio maravillosamente impredecible”, declaró Carter Burwell respecto a esta pausa indefinida que se está tomando la dupla de los Coen, consigna Concierto.cl.
Sin duda, esto marca el fin de una era. Y en la radio del rock, nos motivamos para elegir las 10 mejores películas de los hermanos Coen.
Raising Arizona (1987)
Esta película es el «Big Bang» de la sensibilidad visual y cómica de los Coen. Toda esa materia prima condensada en una sola película que explota en pantalla. La explosión resultante envía ese mismo material al cosmos, formando el resto de su filmografía. Las películas de Joel y Ethan Coen siempre funcionan mejor en los extremos y cuando la ironía está a la vista. Leonard Smalls (Randall ‘Tex’ Cobb) como el motociclista solitario del Apocalipsis es más aterrador que cualquier otra cosa en Mad Max, y también más divertido.
Nicolas Cage y Holly Hunter aportan mucha personalidad a sus roles, pero con suficiente profundidad y humanidad para evitar los clichés de la basura blanca. Y John Goodman lo clava en su primero de muchos papeles icónicos de los hermanos Coen. Su versatilidad es bastante notable, y no es de extrañar que eligieran a Goodman en todo.
Barton Fink (1991)
Qué película más extraña y hermosa y una de las mejores de los hermanos Coen. Otro artista sufriente que acaba en el infierno literal de Hollywood. John Turturro interpreta a Barton Fink, un dramaturgo idealista que hace el inevitable viaje a la costa oeste para trabajar en «imágenes». Se registra en el Hotel Earle, un espantoso laberinto solo superado por el Overlook en «The Shining». Es dentro de estas paredes desconchadas y el calor opresivo que Fink debe inventar su próxima obra maestra… una imagen de lucha libre.
¿Es este un comentario sobre la ilusión de escritores engreídos? ¿O una puñalada a la máquina de Hollywood que toma a la gente y escupe cáscaras vacías? El diseño del Hotel Earle es fantástico, pero el diseño de sonido es lo que hace que este lugar sea realmente efectivo.
The Hudsucker Proxy (1994)
«The Hudsucker Proxy» es la película más grande y más diseñada delos hermanos Coen. Otra pieza de época que resulta familiar y exagerada al mismo tiempo. Los decorados de esta película son enormes. Los Coen entienden cómo maximizar estos espacios para lograr un efecto cómico y temático. La película debe haber sido el mayor presupuesto de los Coen, antes y después. Es una pena que no hayan intentado proyectos a gran escala como Hudsucker desde entonces porque ciertamente obtienen el mayor provecho de su inversión.
Los Coen tienen afinidad por el pasado, especialmente el viejo Hollywood y Hudsucker es definitivamente un retroceso. También es una película que tiene la ventaja política más aguda. Jennifer Jason Leigh brilla como una reportera que habla rápido, y Tim Robbins está perfectamente elegido como un idiota «hombre de ideas». Su romance es ridículo, pero hay tanto que gusta de esta película que podemos ignorarlo.
Fargo (1996)
«Fargo» incluye algo de lo que muchas otras películas de los Coen carecen: esperanza. Honesto a la bondad, y sin una pizca de cinismo, esperanza. La cosmovisión de los hermanos Coen es a menudo mucho menos satisfactoria u optimista como esta. Marge Gunderson se convierte en este faro mientras contrarresta la maldad del mundo con pureza y bondad. Escribir siempre ha sido la mayor fortaleza de los Coen. Solo a través del lenguaje, pueden capturar el carácter, el tema, el entorno y el tono.
Un gran ejemplo es una escena temprana con Marge (Frances McDormand). Ella acaba de llegar a la escena del crimen donde le espera una taza de café. Marge investiga la escena, hablando con una franqueza sincera que nos hace quererla desde el principio. Marge puede hablar de lo mundano (café, clima) y el espantoso triple homicidio sin pestañear. No es ingenua, a diferencia de su colega Lou. Puede deducir la situación con la tranquila seguridad de cualquier otro detective de películas que hemos visto. Ella es tu madre … si tu madre fuera Sherlock Holmes.
The Big Lebowski (1998)
El público no entendió «El gran Lebowski» cuando debutó en 1998. Con el fervor ardiente que lo rodeaba más de 20 años después, es difícil imaginar lo contrario. La película obtuvo rendimientos mínimos en la taquilla y ni siquiera se murmuró en la charla de premios de ese año. Es un animal único, un híbrido de influencias y subgéneros. No hay nada parecido, pero hay mucho que apreciar en su interior.
«The Big Lebowski» podría ser la película más citable de la historia. Hay una buena razón para esto. Los diálogos de Coen Brothers siempre han sido específicos y extravagantes, pero no antes ni desde entonces alcanzaron este nivel de precisión e ingenio. Todos podríamos aprender de «The Big Lebowski «sobre cómo escribir mejores diálogos.
O Brother, Where Art Thou? (2000)
Lo que se destaca de inmediato de esta película es el aspecto. Los amarillos y verdes saturados de los árboles y los campos son sorprendentemente hermosos. Es un esquema de color exagerado el que establece el escenario. Sugiere un momento y un lugar, tanto familiar como ligeramente fantástico. Pero, ¿cómo fusionamos lo real con lo fantástico?
Por ejemplo, nuestro trío de protagonistas descubre un trío de cantantes bañándose en un río. Las sirenas cantan una seductora armonía mientras hacen que los tres presos fugados beban licor de una jarra. A medida que avanza la escena, el sonido, la cámara y el bloqueo se convierten en una experiencia más subjetiva. Somos seducidos como ellos. En el disparo final antes de que se desmayen, vemos a los tres hombres por última vez. La cámara se mueve lateralmente a través de ellos antes de volverse negros. Pero la cámara no se mueve en absoluto. Los propios sujetos parecen moverse sin caminar. Se deslizan en nuevas posiciones mientras la cámara se mueve ligeramente para motivar este extraño reposicionamiento.
Esta técnica logra el objetivo de tantos efectos visuales. Aporta una lógica subjetiva y antinatural al plano sin llamar la atención sobre sí mismo. Como Ulises, Pete y Delmar, el público puede experimentar cómo debe ser ese momento. Una transición suave y pacífica hacia la inconsciencia.
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The Man Who Wasn’t There (2001)
Sin lugar a dudas, «The Man Who Wasn’t There» es la película visualmente más perfecta de los hermanos Coen. Por qué les tomó, especialmente con su arma secreta, DP Roger Deakins, casi 20 años para hacer una película en blanco y negro, nunca lo sabremos. Por supuesto, un paraíso suburbano estadounidense de la década de 1950 siempre debe filmarse en blanco y negro. Así es como debe haber sido el mundo en realidad en ese entonces porque la estética está muy arraigada en el entorno.
Billy Bob Thornton está perfectamente elegido como el peluquero cornudo de voz suave, Ed Crane. Tenemos nuestra voz en off estándar de Coen, pero la cara de Thornton lo dice todo. También tenemos el típico reparto estelar de apoyo que esperamos de Joel y Ethan. James Gandolfini demuestra que debería haber estado en muchas más películas para los Coen. Lo mismo ocurre con Tony Shalhoub, el locuaz abogado de Sacramento.
No Country for Old Men (2007)
Después de dos de sus películas «menos grandiosas», los Coen abandonan esta innegable obra maestra. La misma que arasó con la temporada de premios de 2007, con el oscar a Mejor Película y Mejor Director.
Tonalmente, carece de ese humor absurdo al estilo de los hermanos Coen. Ese ingenio seco que impregna incluso sus películas más serias apenas se nota aquí. Incluso «Fargo», dejando de lado las similitudes de la trama, tiene ese ingenio al estilo Coen que lo atraviesa. ¿Es irónico que su mejor película sea también la «película de los hermanos Coen» menos reconocible? No. La ironía es su pan y mantequilla. Josh Brolin y Javier Bardem brindan las mejores actuaciones de su carrera. Tommy Lee Jones proporciona una moral agotada perfecta en el núcleo. La cinematografía de Roger Deakins captura la desolación en su forma más hermosa.
True Grit (2010)
Las mejores películas de los hermanos Coen siempre aportan un gran acento a sus personajes. Claramente, disfrutan mucho escribiendo diálogos excéntricos y floridos. Tiene sentido, entonces, que muchas de sus películas estén ambientadas en lugares que generan un fuerte acento. El Viejo Oeste encaja perfectamente en este proyecto de ley, y es una maravilla por qué los Coen no trabajan más en los westerns.
La recién llegada Hailee Steinfeld como Mattie Ross se defiende de los pesos pesados como Jeff Bridges y Matt Damon. Hay corazón en esta historia, que es algo que los Coen no hacen, y Mattie encarna ese corazón.
Inside Llewyn Davis (2013)
«Inside Llewyn Davis» es un estudio de personajes melancólicos, filmado en grises hermosos y brumosos. La destacada actuación principal de Oscar Isaac es una mezcla perfecta de angustia y alma. Y, por supuesto, la música es fenomenal. El tono es gélido, incluso para los hermanos Coen, y las perspectivas de Llewyn son, en el mejor de los casos, sombrías. Las canciones también son oprimidas, pero se cantan y se interpretan maravillosamente.
Sujetar la película con la misma escena es la guinda del pastel. La vida es miserable para artistas como Llewyn y nunca se detiene. Si no te gusta la trama, los personajes o la música (poco probable), la cinematografía por sí sola lo vale todo.