Patricio Jara comenta la nueva cinta del realizador Ernesto Díaz Espinoza.

La nueva película de Ernesto Díaz Espinoza (1978) es una confirmación de su voluntad por ofrecer un cine de acción frontal: busca que el espectador se divierta del mismo modo como él lo hizo filmando: acción, humor, diálogos ingeniosos, chuchadas en el momento preciso, efectos especiales cada vez mejor logrados, pero sin exagerar, y tramas que no ofrecen matices: en este lado los buenos, acá los malos y que resuelvan sus conflictos durante todo lo que dure la película.

Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta es una cinta breve (75 minutos) que desarrolla una historia con un foco preciso: para salvar su vida, el DJ de un club de tango (Matías Oviedo) se ve obligado a buscar a una asesina a sueldo (Fernanda Urrejola) por la que su jefe, un mafioso argentino, está dispuesto a pagar una fortuna con  tal de cobrarse venganza por viejos asuntos pendientes.

El gran mérito de Díaz Espinoza es el empeño por filtrar los arquetipos de las exploitation movies (cargadas de violencia, erotismo, abuso de sustancias y venganza) a través de la idiosincrasia local y el resultado es más que destacable. Porque una cosa es hacer cine sin complejos, cine en la cara y con la premisa del vamos para adelante que todo es chunga y patadas voladoras, y otra, muy distinta y más difícil de lograr, es recoger códigos, personajes y lugares del Chile de todos los días, procesarlos, trabajarlos, y devolverlos al espectador con una carga distinta. Así las cosas, aunque se trate de un personaje secundario, estoy seguro de que nadie que vea esta película volverá a mirar a los chinchineros del mismo modo como lo hacía antes.

Pero así como Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta tiene su gracia en el lenguaje que logra perfilar, en parte, a los personajes arquetípicos (el chico bueno y medio pavo que la circunstancia lo transforma, la mujer fatal ruda y silenciosa) también corre algunos riesgos, sobre todo al estructurar el relato con la estética de los videojuegos, pero cuando un director va así de lanzado, esto, al final, es un detalle que no interfiere si el artificio logra su objetivo.

Patricio Jara rinde homenaje al fallecido guitarrista de Slayer.

Quizás el mayor gesto que podamos hacer en memoria de Jeffery John Hanneman sería abrir los librillos de los discos (o mirar atentamente el sobre de los vinilos) y fijarnos en cuáles de todos los temas de Slayer fueron de su completa creación. Algo dije al respecto en esta misma columna, en noviembre del año pasado, a propósito de la última visita de la banda, de los 30 años que en diciembre se cumplen del Show no Mercy y, sobre todo, del futuro de Slayer considerando el estado de salud del músico en ese entonces.

Jeff Hanneman fue, como muchos, un chico que quiso ser guitarrista de una banda antes de saber tocar una nota. Fue de esos críos que antes de los diez años llegaron a la música por sus hermanos mayores (en su caso, su hermana Mary, con los discos de Black Sabbath) y luego siguieron su camino deslumbrándose con bandas como Led Zeppelin, Aerosmith y más tarde con el punk.

Jeff Hanneman fue, lo sabemos, el gran motor del disco Reign in Blood (era el que más seguro estuvo, junto a Dave Lombardo, de la alianza con Rick Rubin y la necesidad de salir de Metal Blade). Su aporte específico al proceso creativo al que ha sido considerado en el The Top 500 Heavy Metal Albums, de Martin Popoff, como el tercer disco de metal de todos los tiempos, luego del Master of Puppets y The Number of the Beast, fue una cinta con 19 minutos de música que luego se sumó al material de Kerry King.

Lo que hubo al final, como ocurre con los grandes discos, fue una sola gran canción de 33 minutos grabada en dos pistas en un cassette sobre la cual trabajarían sumando los aportes de Araya y Lombardo.

Podemos decir muchas cosas sobre Jeff Hanneman, pero mejor sería rastrear dos libros fundamentales: The Bloody Reign of Slayer, de Joel McIver y la crónica de 150 páginas sobre la historia específica del Reign in Blood, escrita por D.X. Ferris, perteneciente a la serie 33 1/3, que cuenta la historia de los grandes discos de todos los tiempos en variados géneros.

Nada más que agregar. Nos pasó con Chuck Schuldiner y ahora con Hanneman. El rock del último tramo del siglo XX y el comienzo del actual no se entiende sin el aporte de creadores de su talla: hombres silenciosos capaces de hacer el mejor de los ruidos.

Hay harto que contar a los que vienen en camino.

Patricio Jara hace sus balances en Página 66.

1.- Pese a la gran oferta de eventos musicales, el Metal Fest cuenta con el apoyo de los fanáticos, aunque hagan sufrir a los organizadores comprando la mayor cantidad de entradas en la víspera.

2.- El cartel internacional sigue siendo de primer orden a nivel sudamericano, sin embargo algunas bandas como Morbid Angel, Down y Carcass no pueden siquiera pretender regresar con el mismo show que ofrecieron en sus últimas visitas. Dos es mucho. Tres sería impresentable.

3.- Y si bien nunca estaremos conformes con el cartel ni menos con el orden, son cada vez menos las bandas que no han venido a Chile. ¿Atheist? ¿King Diamond? ¿Ministry? ¿Godflesh? ¿Entombed recargado, ahora con dos guitarristas? ¿Symbolic? La extraordinaria banda canadiense tributo a Death no estaría mal, considerando que hoy existe tributo a casi todo, aunque tan pocos realmente lo merezcan.

4.- Al menos en lo que pude constatar en terreno, segundo año consecutivo sin que los baños sufran destrozos.

5.- El escenario local siempre es un tema sensible, sobre todo porque algunas bandas nacionales son harto mejores que varias del show internacional. Dio gusto ver a Atomic Aggressor, Sadism, Melektaus, Nuclear y Recrucide. Dos generaciones y talento que se mantiene incólume en los más antiguos y creciendo en los más nuevos.

6.- ¿Es posible organizar encuentros de los músicos con los fans sin que deba llamarse “meet and greet” ni debamos pagar un extra, como ocurre con determinadas bandas y productoras que cobran por que te firmen un CD, un vinilo o tomarte una foto? Hoy las bandas venden tan pocos discos que autografiarlos a quienes tienen la gentileza de no bajarlos de Internet debiera estar en los puntos del contrato. Quince minutos por banda. Nada más. La gente hace fila para usar el baño y no la va a hacer para que le firmen un pedazo de papel o la polera o una nalga.

7.- Las críticas fueron escuchadas y los stands de música y merchandising, tanto como los de comida, estuvieron a la altura. Más variedad y mejor calidad. Bien por los sellos y distribuidoras nacionales que llevaron sus productos a precios decentes. Vendieron más de lo que esperaban y eso les mantiene la fe en seguir potenciando la industria.

8.- Faltó, eso sí, un stand de tapones de goma para los oídos. Más de un sonidista sigue convencido de que para que una banda suene brutal necesariamente debe sonar fuerte. Hace tiempo que el público se dio cuenta de que eso queda para aquéllos que deben maquillar su falta de talento con efectos y distorsiones de paquete. Y sabemos, también, que el exceso de potencia priva al público de distinguir las virtudes de los músicos cuando éstos las tienen.

9.- Después de cuatro o cinco latas, la cerveza sin alcohol no es tan mala.

10.- Un poquito de información sobre las bandas para los encargados de la transmisión en pantalla grande del show no estaría mal. En Morbid Angel se demoraron casi una canción completa en enfocar a Trey Azagthoth y dejaron de mostrar varios de sus mejores solos durante todo el show. En fútbol, eso equivale a no enfocar a quien lleva la pelota. Y si Messi es el Barcelona, Trey Azagthoth es Morbid Angel.

11.- La brecha en la proporción mujeres-hombre sigue disminuyendo. Es cada vez más habitual ver grupos de chicas que no están acompañando al pololo.

12.- Abrir un extintor en el punto álgido de un show es una marca registrada cuando se trata del Movistar. Pasó con Slayer y pasó con Carcass. Pero hacer correr el artefacto hacia delante una vez ocupado y entregarlo a la gente de seguridad, para que nadie corra peligro, eso es de caballeros.

Patricio Jara rememora el debut de la banda en nuestro país, hace 5 años.

A mediados de 2007 corrió el rumor de que Carcass (Liverpool, 1985) volvía a reunirse luego de su disolución en 1995. La intención original, se decía, era tocar en algunos festivales europeos y poco más. De hecho, fueron tan cautos y reservados que pensar una gira intercontinental resultaba improbable. Pero entonces vino la noticia y, con ello, la resurrección de la carne: Carcass se subía al avión y pasaría por Chile.

Apreciar la relevancia de una banda como esta (o al menos intentarlo) es retroceder al menos veinte años, particularmente al momento en que los ingleses, quienes nunca tuvieron prejuicios para los cruces de metal y punk, decidieron que no bastaba con lo que había, que era posible otro peldaño más en la escalada de brutalidad sónica. Entonces nacieron bandas como Napalm Death, Extreme Noise Terror y con ellas el grindcore, una variante del punk cuya premisa es la destrucción de todo intento de melodía; la música entendida como un objeto contundente, como meter la cabeza dentro de una lavadora hasta que el ruido (sí, puro ruido) de pronto cobra nitidez. No por nada uno de sus símbolos ha sido la moledora de carne.

Pese a que con cada uno de sus álbumes Carcass se fue suavizando (¿civilizando?), la calidad no decayó. Por el contrario, hubo mejores canciones; menos brutales, sí, pero con más ideas.

Como sea, 1989 fue clave: Carcass se atrevió con Symphonies of Sickness (Earache), un álbum que revistió de gloria al grindcore. Su influencia visual (sus portadas de collages forenses serán imitadas por los siglos de los siglos desde su debut, Reek of Putrefaction) brindó un matiz estético a un estilo difícil de tragar: ese año los ingleses pusieron melodía allí donde todo era caos y confusión a causa de ritmos ultraveloces, afinaciones graves y voces ásperas. Reeditado constantemente desde entonces, aquel disco fue la plataforma desde donde Carcass comenzó su carrera internacional hasta transformarse, tal como Sepultura, Morbid Angel y Atheist, en una de aquellas bandas infaltables en cualquier recuento.

El show en el Caupolicán (miércoles 5 de noviembre de 2008) pudo ser brillante si no hubiera sido por su set tan mecanizado, idéntico al que habían estado haciendo en Europa. Algunos se olvidan de que el público sudamericano es distinto, que es mejor, y por lo tanto siempre requiere de algún gesto.

Con todo, Carcass ofreció tal despliegue de ferocidad que, como muy pocas veces, nadie se atrevió a pedir una más: fue un repaso desde sus años de bestialidad extrema, con “Genital Grinder”, “Reek of Putrefaction” y “Exhume to Consume”, hasta los toques de exquisitez técnica de “Heartwork” (4 de 5 estrellas le dio Rolling Stone a ese disco en su momento) y la maravillosa “Keep on Rotting in the Free World”, además de todos los clásicos de Necroticism. Descanting the Insalubrius, aquel álbum que revitalizó el metal en 1992.

Fue un show memorable. Los ingleses demostraron por qué son una de las bandas de metal extremo más influyentes del mundo. Una presentación tan meticulosamente urdida que, cuando se encendieron las luces del teatro, la actitud de los casi dos mil fanáticos no era sino de perplejidad por lo que acababan de presenciar: la banda con la que muchos crecieron había pasado por el escenario como un vendaval que resucitó una época ida y luego, una hora y media después, no dejaba más que una ilusión, un vacío que solo tras verlos en vivo es posible dimensionar.

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Patricio Jara se refiere a la importancia de las “demonstration tapes” en la tradición del metal.

En el underground, antes de los discos fueron los demos, los demonstration tapes; casetes grabados por bandas incipientes que circulaban y se vendían a los fans por decenas y, en algunos casos, hasta por miles. No por nada, muchas de las bandas que encabezan el cartel del próximo TMF construyeron su prestigio, justamente, gracias a grabaciones de este tipo.

Los demos eran el material más apetecido, donde muchas veces estaba lo realmente nuevo del género. Aunque ciertamente había de todo: desde producciones impecables, con carátula impresa (la gran mayoría no superaba la fotocopia), hasta simples ensayos grabados con una radio (los rehearsals) que si bien siempre han estado un peldaño más abajo, cuando se trataba de registros de bandas consagradas naturalmente adquirían el carácter de documento. Algo similar ocurre hasta hoy con los bootlegs, grabaciones no autorizadas de shows en vivo, editadas en compacto o vinilo, con diseño profesional y generalmente vendidas al mismo precio que un disco legítimo, cuando no un poco más. Uno de los más populares a fines de los ochenta fue Corpus Christi, registro del paso de Slayer por Texas en diciembre de 1987.

Hoy la industria del demo casi ha desaparecido. Las nuevas bandas promueven su trabajo en compactos con un nivel técnico evidentemente superior al de fines de los ochenta, cuando buena parte del material era grabado en 16 pistas.

Sebastián Puente es ingeniero en sonido, productor y dueño del estudio Audio Custom. Además es guitarrista de Nuclear. A Sebastián no deja de resultarle curioso lo que ocurrió con los demos en los comienzos de la escena metal en el mundo. “Hay un error en que estos trabajos se llamen demo, porque este no es más que un ensayo bien grabado para luego mostrarlo a productores y sellos que te llevan a un estudio. Lo que pasó en el metal es que el demo tomó el status de producción hecha y derecha, como casete original que corría de mano a mano. Lo he conversado largamente con algunos colegas y, si te das cuenta, son trabajos que están mezclados, masterizados, hechos de manera profesional y, por lo tanto, son promo tapes que preferentemente van orientados a los medios cuando la producción ya está hecha y de la que se muestra solo una parte”.

Cada vez que una revista publicaba un comentario sobre el demo de una banda, era casi un protocolo que el texto culminara con la dirección postal y el precio de venta. En Chile, habitualmente costaban entre 500 y 1.000 pesos; cinco dólares cuando se trataba del extranjero. El pago se hacía por giros postales o bien a través de cartas certificadas con billetes envueltos en papel calco (con la parte de carbón hacia fuera), para pasar la revisión del correo y que nada se perdiera en el camino.

En estos días es muy difícil que una banda joven viva la experiencia, por citar un caso, de Nihilist (posteriormente Entombed), que entre 1988 y 1989 grabó cuatro demos antes de su primer ál- bum, proceso fundamental para foguearse. “Las bandas invertían mucho tiempo en promover sus casetes mediante intercambio y así construirse una reputación”, acota el investigador Keith Kahn-Harris en su libro Extreme Metal, acerca del desarrollo del underground global. Para muchos, haber grabado un par de demos antes del disco, es como haber jugado un par de años en canchas de tierra. Absolutamente necesario.

Patricio Jara comenta el más reciente disco y single de Recrucide.

Nunca es tarde para promover un disco. Menos en el caso de Blood Divine, el segundo álbum de los nacionales Recrucide, del que acaba de estrenarse “Tyrano” su nuevo clip.

Editado por Australis en 2011, es un trabajo tan demoledor y tan lleno de detalles, matices y recovecos que se las arregla para que siempre haya algo nuevo que decir sobre los 13 cortes que lo componen. Blood Divine suena compacto, potente. Es bruto y pegajoso al mismo tiempo. Es de lo mejor que ha dado el metal chileno en harto tiempo. Cada vez que uno lo escucha queda la sensación de que acaba de salir, pues el death metal que propone es fresco y con la dosis precisa de técnica y virtuosismo. Sí, los tipos saben tocar y, cómo no, componer. Se nota que sus integrantes han escuchado muchísima música en todos estos años de carrete y han elegido y discriminado muy bien a la hora de inspirarse y echar a andar la moledora de carne.

Atención a Recrucide. Atención a su enorme talento. Sin duda que su presencia en el Metal Fest 2013 asoma como uno de los shows locales más prometedores.

Patricio Jara comenta a fondo “Demencial”, primer álbum de Krudo.

El primer álbum de Krudo, pese a tener un buen rato circulando, justifica volver a masticarlo sin que pierda en lo más mínimo su sabor y textura. De temas largos, Demencial suma casi 70 minutos de thrash metal moderno, con aristas progresivas y, por lo tanto, bien ejecutado. La banda suena compacta y los más de diez años que lleva en el ruedo como tal se notan desde el primer minuto.

Hay riesgo en la música de Krudo: no sólo por la opción (y el empeño) por cantar en español con juegos vocales provistos de matices (“Cuando la mente se ciega” es notable en este sentido), también porque la decena de canciones que ofrecen son un enjambre de armonías y riffs maduros (por diversos factores Demencial tuvo más de un año y medio para sus diversas etapas producción).

Como sea, acá hay escuela y una gran admiración por aquel sonido fundacional que cruzó varios géneros: Judas Priest, Overkill, Forbidden y los primeros álbumes de Dream Theater (especialmente en las guitarras).

En el trabajo de esta banda de San Sebastián (Valparaíso) abunda tanto como el virtuosismo, el tesón por buscar formas propias. Lo que hacen Cristián Arriola, Giordano Moglia, Mario Ruiz, Lucio Pérez y Roberto Zúñiga tiene carácter. Y aunque el video para el tema “Asesino” podría llamar a engaño o a preenjuiciar estéticamente la propuesta para quien se acerca recién a la banda, aquello dura poco al avanzar el disco, pues en canciones como “Biotipo criminal” encontramos con un poco más de claridad de hacia dónde se encamina el quinteto: harto peso, pero también harta nitidez (no es un detalle en estos tiempos en que para muchos el principal interés es echar a andar la juguera).

Krudo no busca la aprobación fácil, menos aún, reitero, cuando la idea es entregar un mensaje en castellano y, aunque parezca un contrasentido, atreverse a cantar cantando sin ampararse en los gruñidos del tipo Cookie Monster ni en la distorsión a todo lo que dé el pedal. Allí está la espléndida “Carne Muerta”: un tema lento que comienza a mutar y a desbandarse como un camión en bajada, quizás la mejor forma de graficar este disco.

Patricio Jara comenta “División de Oro”, tercer disco de Lerdo.

Lerdo es de esas bandas raras, esos proyectos inclasificables que surgen de cuando en cuando y, para mejor, se mantiene sobre la saludable línea de flotación dentro del underground local. Cada uno de sus temas son verdaderos artefactos sonoros aparentemente desarmados y caóticos que no duran más de cuatro minutos. En todos la premisa de Mauricio López (bajo), Claudio Acuña (guitarra) y Javier Álvarez (batería), sus integrantes, resulta similar: poner el virtuosismo al servicio del desorden y  llevar la interpretación a cualquier lado menos a pautas esquematizadas. Aquí todos cantan y todas las mezclas, por disonantes que sean, son permitidas. Muy bien lo han dicho ellos mismos, medio en broma, medio en serio: lo que hacen podría llamarse grind pop.

El sonido de Lerdo está cargado de detalles, como un gran caldo en que se cuecen toda clase de ingredientes: desde luego hay velocidad, peso y zonas por decirlo de algún modo “oscuras”, en los que la música se estructura a partir de mosaicos. Esto, en parte, sería la forma de describir su disco División de oro, publicado el año pasado y del que la banda esta semana estrena el clip para su tema “Ad Baculum”, dirigido por Rodrigo Latorre. Este es el primero de tres videos que planean difundir durante el primer semestre de 2013.

“Creemos que ha sido un paso gigantesco para nosotros como banda”, comenta Mauricio López a propósito de ese trabajo. “Desde que partimos a componer a finales del 2010, nos propusimos la misión de hacerlo bajo nuestras reglas en todo sentido: desde la independencia extrema, como también, de los parámetros estilísticos. La idea siempre fue entregar un producto que fuera sincero para nosotros y que, ojalá, esto lo pudiese sentir el receptor. Y no sólo involucra a la música misma, también a la estética completa de nuestra propuesta como banda”.

Para el gran público, Lerdo es la banda elegida por Mike Patton para abrir el show de Faith No More en el Caupolicán en 2009. El público más joven de seguro encontrará reminiscencias a The Dillinger Escape Plan, el primer System of a Down, ciertas cosas de Primus o Mr. Bungle, pero hay que ir más atrás, mucho más atrás para advertir que, al menos en la forma que la banda tiene de entender y encarar la música, el espíritu de Frank Zappa está por todos lados.

No, Lerdo no suena a Frank Zappa, pero tiene la misma actitud y eso, quizás, es más notable: hay vanguardia, hay ideas complejas, hay experimentación. Lo mismos ocurre con las letras, un terreno sinuoso donde por momentos asoma la antipoesía, los versos fragmentados, los textos opacos y cargados de simbolismo. Sin duda, un trabajo meritorio que hoy tiene a los músicos en pleno proceso de composición de nuevo material. Tienen seis nuevos temas y adelantan que será un disco largo, el más largo hasta ahora. División de oro no supera los 30 minutos pero queda la sensación de que dura 15.

“Creemos que es un ciclo de la banda, y ya estamos preparados para el siguiente periodo”, explica Mauricio. “Estamos a punto de reventar con la cantidad de nuevas ideas y cosas que queremos hacer de forma distinta en un nuevo disco. Sentimos que tenemos el deber de desafiar siempre nuestros trabajos pasados, para nunca hacer un disco remotamente parecido al anterior. No vamos a estafar a la gente”.

Son meses intensos para Lerdo. Hay expectativas por su nueva entrega. Poco a poco han logrado fidelizar a un público al tiempo de hacer reconocible un sonido. Pero también hay un elemento del cual deben hacerse cargo: su propio crecimiento como músicos y la premisa de no tener restricciones creativas.

“A la hora de componer odiamos algunas canciones, después nos reencontramos con ellas y las besamos; las encerramos en el sótano, y luego las liberamos al bosque. Al final, creo que el proceso de creación para nosotros es un masoquismo romántico, la pasamos mal, luego la pasamos muy bien. Nos sometemos a un stress horrible, que decanta en una gloria simbólica que se manifiesta cuando alguien nos comenta lo mucho que les gusta nuestro trabajo, o mejor aún, cuando nos va a ver en vivo y grita con nosotros”.

Patricio Jara recomienda notables publicaciones de este 2012 que ya se termina.

Mezcla de ensayo, crónica y bitácora de viaje. Estos tres títulos tienen la fuerza de las mejores novelas. Están llenos de ideas y reflexión. Lo mejor de 2012 en el género. Disponibles en todas las librerías nacionales. Bueno, en casi todas.

Flores en las grietas, de Richard Ford.

Es uno de los autores norteamericanos fundamentales de las últimas décadas. Sobre todo a la hora de escribir relatos breves. En este libro, sin embargo, se reúne una serie de textos en los que reflexiona sobre el sentido de la escritura, de la lectura, de la enseñanza y cómo ha encaminado su propio trabajo. Quizás leer este libro un par de veces sea mejor que ir a un taller literario.

Dice Ford en el primer texto: “En consecuencia, últimamente he pensado a veces que ha de ser muy difícil comenzar a escribir hoy, en un tiempo universitario en el que relatos y novelas son reducidos a la condición de textos a los que se atribuye el significado opuesto al que evidentemente tienen y cuyos privilegiados autores creen insensatamente que tienen; en el que se piensa que la literatura está en quiebra y es aburrida, y que el escritor es la ridícula figura que la escribe; y en el que lo que uno pensaba que no era bueno resulta que era excelente, sólo que uno no era de la raza, la orientación sexual, ni el sexo adecuados para comprender en qué consiste la excelencia”.

El comienzo en este link.

La sabiduría de las putas, de Elizabeth Pisani.

Una epidemióloga recorre diversos puntos del globo tratando de entender cómo funcionan las políticas públicas respecto de la prevención del sida y otras enfermedades de transmisión sexual o bien a causa de las drogas. Una gran crónica de viaje, con mucho punto de vista y reflexiones allí en los lugares donde no hay esperanza y todo es desorden.

“La ciencia no existe aisladamente”, anota la autora. “Existe en un mundo de dinero y votos, un mundo de ruedas de prensa y lobbies, de farmacéuticas productoras y de activismo medioambiental y de religiones e ideologías políticas, y todo el resto de complejidades de la vida humana”.

No por nada el subtítulo del libro es “Burócratas, burdeles y el negocio del sida”.

Acá pueden leer el comienzo.

Cinépata, de Alberto Fuguet.

Pura pasión por el cine. Puras convicciones. Un libro brillante, lleno de coraje, revelaciones y profundidad. Exuda vocación, entusiasmo y vida. Lo mejor: la estructura. Bien pudo haber sido una caja llena de cosas y compartimientos. Es un libro militante y jugado, personalísimo. Dan ganas de salir a conseguirse muchas de las películas que el autor reseña. Pero es más que eso: es un libro sobre cómo te relacionas con los otros y, al final, cómo eres capaz de conocerte un poco más a ti mismo.

Escribe Fuguet: “Una vez alguien me comentó que los gustos personales son las nuevas ideologías y que, de cierta manera, tu forma de ver el mundo, tu moral, tus creencias, se reflejan y se cristalizan no tanto en aquello que lees o ves o escuchas (y, supongo, ahora, en lo que tomas y comes) sino en aquello que te gusta o que rechazas de forma visceral”.

El libro incluye el DVD de su premiada película “Música campesina”.

Acá más datos.

Patricio Jara comenta el debut homónimo de Parroquianos. Participa por el disco acá.

Parroquianos es una banda antofagastina que toca rock and roll. Así de simple y de preciso lo que puede decirse para presentar su álbum homónimo. Sin embargo, luego de escuchar atentamente la docena de temas que lo componen, la idea podría ser un poco más completa: Parroquianos es una banda que graba bandas sonoras para películas que aún no se han filmado. Y lo hace desde el primer cuadro de metraje hasta el último de los créditos.

Sin prejuicios ni complejos, echan mano a una gama de influencias absolutamente variada, por momentos caótica o lisa y llanamente contradictoria: hay rockabilly, surf rock, rock garaje, rock AM, rock de los años 60-70, rock de los años del destape español y hasta ciertos pasajes (más bien guiños provocadores) al abominable rock latino. Pero la mezcla funciona. Sí. Porque justamente esa es la idea. El gato vestido de frac de la carátula del disco no es gratis.

La banda compuesta por Rinaldo Vidal y Manuel Ortiz tiene carrete. Se nota. No son pendejos con guitarra nueva. Sus dos miembros pilares llevan años en esto y han oído la suficiente música para decidir que aquello que deben tocar no necesariamente tiene que ser lo que escuchan cuando barren la casa o cocinan un sábado en la noche para los amigos.

Los mejores momentos del álbum, sin embargo, están en el medio, y se logran cuando Parroquianos se anima a hacer rock and roll sin colorante. Hay pasajes de mucha energía, como “Calvin Twist”, “Gotas de lluvia”, “Plegaria para un parroquiano” y el hermoso instrumental “Falso escalón”. Guitarras limpias, baterías moderadas, voces sin mucho truco. Polera, jeans, zapatillas y a tocar.

Como todo primer álbum, este trabajo entrega la primera parte de un camino, de una búsqueda por afianzar un sonido y un modo de componer. Eso le ha ocurrido a todas las bandas que han llegado lejos: un primer registro que, más que definir caminos, funciona como carta de presentación (y apuesta) de hasta dónde se atreven.

Ganadores disco Parroquianos